Veranstaltungen

Rundgang durch die Ausstellung „Empire Dye“ mit Lara Siegers um 15.00 Uhr.

Der Kunstverein Göttingen präsentiert mit „Empire Dye“ (dt.: „Farbe/Färbung des Imperiums“) die erste umfassende Einzelausstellung von Monira Al Qadiri in Deutschland. „Empire Dye“ nutzt die Metaphorik des Meeres als Ausgangspunkt, um aus einer futuristischen Perspektive über das unvermeidliche Ende der menschlichen Herrschaft über die materiellen Reichtümer der Erde nachzudenken. In der Ausstellung im Alten Rathaus in Göttingen werden Skulpturen und Videoarbeiten gezeigt, in denen Al Qadiri, Motive aus der ozeanischen Welt mit der Geschichte des Erdöls ästhetisch und erzählerisch verbindet.

Lauren Huret beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Arbeit mit technologischen Vorstellungswelten, Glaubenssystemen, Computergeschichte und der Verbreitung von Bildern im Internet. Ihre Performance „Relaxing Data“ ist eine Entspannungssitzung, für die sie eine Körperscan-Meditation anwendet. Nach und nach scannen die Besucher*innen mental ihre Körper von den Zehen bis zur Stirn und werden dabei von Huret mit einem zeitlichen Maßstab angeleitet. Von 1984 (ihrem Geburtsjahr) ausgehend, erzählt sie die Geschichte des technologischen Fortschritts der letzten drei Jahrzehnte vor allem in den Bereichen Kommunikation und Information und schafft dabei eine unpersönliche Autobiographie. Huret kombiniert Entspannungstechniken mit Wissensvermittlung und greift damit die Überforderung der Menschen angesichts der rasanten technologischen Entwicklung auf. Erstmals wird die Performance auch einem deutschen Publikum zugänglich gemacht durch eine zusätzliche Sitzung mit der in Hamburg lebenden Künstlerin Alice Peragine.

Lauren Huret (*1984) lebt und arbeitet in Genf, Schweiz. Sie studierte an der Hochschule für Bildende Künste Bordeaux und der Universität für Kunst und Design in Genf (HEAD). Lauren Huret hat ihre Werke und Performances international gezeigt, u.a. im Centre Culturel Suisse, Paris; Kunsthaus Langenthal; La Panacée, Montpellier; Le Magasin, Grenoble; Pioneer Works, New York; Kunstmuseum Luzern; Schinkel Pavillon, Berlin. Sie ist derzeit Gastprofessorin an der HEAD.

Aufgrund limitierter Platzkapazitäten bitten wir um Anmeldung unter presseinfo@kunstvereingoettingen.de
Die Performance findet in Kooperation mit dem KAZ e.V. statt.

Gefördert durch Pro Helvetia, Schweozer Kulturstiftung.

Der Kunstverein Göttingen präsentiert mit „Empire Dye“ (dt.: „Farbe/Färbung des Imperiums“) die erste umfassende Einzelausstellung von Monira Al Qadiri in Deutschland. „Empire Dye“ nutzt die Metaphorik des Meeres als Ausgangspunkt, um aus einer futuristischen Perspektive über das unvermeidliche Ende der menschlichen Herrschaft über die materiellen Reichtümer der Erde nachzudenken.

In der Ausstellung im Alten Rathaus in Göttingen werden Skulpturen und Videoarbeiten gezeigt, in denen Al Qadiri, Motive aus der ozeanischen Welt mit der Geschichte des Erdöls ästhetisch und erzählerisch verbindet. Für viele Jahrhunderte basierte die Wirtschaft der Küstenregionen der Golfstaaten auf dekorativen Perlen; auch der eigene Großvater der Künstlerin arbeitete als Sänger auf einem Perlenfischer-Boot. Die durch die Perlen geprägte regionale kulturelle Identität geriet nach der Entdeckung des Erdöls, durch die nachfolgende abrupte wirtschaftliche Entwicklung im zwanzigsten Jahrhundert, nahezu in Vergessenheit. Die unermesslichen Auswirkungen, die das Erdöl auf das kulturelle Erbe, die Gesellschaft und die Erinnerungen in der Region hatte, vergleicht Al Qadiri mit einer außerirdischen Invasion aus dem Weltraum. Die Künstlerin schafft ebenso fantastische wie kritische Bilder von einer besonderen Strahlkraft, in denen es ihr gelingt, aus den Widersprüchen alternative Lesarten der Realität zu gewinnen.

Die schillernden Farbspektren, die die Perlen und das Öl ästhetisch miteinander verbinden, dienen der Künstlerin dazu, die zwei historischen Denkweisen, geprägt durch die jeweils dominierende Wirtschaft, miteinander zu verbinden und darüber hinaus einen Blick in die Zukunft zu wagen. Eine besondere Rolle spielt dabei die Farbe Violett. Galt sie ursprünglich wegen der aufwendigen Gewinnung als besonders wertvolle und vor allem als königliche Farbe, ist es heute die Farbe des größten Unglücks in der Ölindustrie. Der violette Alarm blinkt nämlich nach der höchsten Gefahrenstufe auf: dann, wenn es eigentlich zu spät ist. Die Künstlerin nutzt diese Farbe als Umschreibung des Zustands menschlichen Lebens auf der Welt – eines Alarmzustandes, in dem der Umgang der Menschen mit der Umwelt auf sie selbst zurückfällt.

Monira Al Qadiri (*1983) ist eine kuwaitische Künstlerin, die im Senegal geboren und in Japan ausgebildet wurde. Im Jahr 2010 promovierte sie an der Tokyo University of the Arts in intermedialer Kunst. Sie befasste sich dort mit der Ästhetik der Traurigkeit im Nahen Osten aus Poesie, Musik, Kunst und religiösen Praktiken. Ihre Arbeit beschäftigt sich nun mit unkonventionellen Genderidentitäten, mit Petro-Kulturen und deren möglicher Zukunft sowie mit den Hinterlassenschaften der Korruption. Sie lebt derzeit in Berlin

Al Qadiri hatte u.a. Einzelausstellungen im CIRCL Pavillon, Amsterdam (2018), Sursock Museum, Beirut (2017); Gasworks, London (2017); Stroom Den Haag, Den Haag (2017) und Tokyo Wonder Site, Japan (2009). Ihre Teilnahme an internationalen Gruppenausstellungen umfasst u.a. Forum Expanded der Berlinale, Berlin (2019), die 9. Asia Pacific Triennial, Brisbane (2018); 6. Athen-Biennale, Athen (2018); Lulea-Biennale, Schweden (2018); 20. Festival für zeitgenössische Kunst Sesc_Videobrasil, Sao Paulo (2017); Palazzo Franchetti San Marco, Venedig (2017); Sursock Museum, Beirut (2016); NYU Abu Dhabi (2016). Sie ist 2019 für den Future Generation Art Prize nominiert gewesen.

Kuratorin: Tomke Braun

Gefördert durch:
Stiftung Niedersachsen
Nierdersächsische Sparkassenstiftung
Sparkasse Göttingen
Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur
Stadt Göttingen
Lanschaftsverband Südniedersachsen e.V.

Rundgang durch die Ausstellung „Empire Dye“ mit Lara Siegers.

Der Kunstverein Göttingen präsentiert mit „Empire Dye“ (dt.: „Farbe/Färbung des Imperiums“) die erste umfassende Einzelausstellung von Monira Al Qadiri in Deutschland. „Empire Dye“ nutzt die Metaphorik des Meeres als Ausgangspunkt, um aus einer futuristischen Perspektive über das unvermeidliche Ende der menschlichen Herrschaft über die materiellen Reichtümer der Erde nachzudenken. In der Ausstellung im Alten Rathaus in Göttingen werden Skulpturen und Videoarbeiten gezeigt, in denen Al Qadiri, Motive aus der ozeanischen Welt mit der Geschichte des Erdöls ästhetisch und erzählerisch verbindet.

Der Kunstverein Göttingen präsentiert mit „Empire Dye“ (dt.: „Farbe/Färbung des Imperiums“) die erste umfassende Einzelausstellung von Monira Al Qadiri in Deutschland. „Empire Dye“ nutzt die Metaphorik des Meeres als Ausgangspunkt, um aus einer futuristischen Perspektive über das unvermeidliche Ende der menschlichen Herrschaft über die materiellen Reichtümer der Erde nachzudenken.

In der Ausstellung im Alten Rathaus in Göttingen werden Skulpturen und Videoarbeiten gezeigt, in denen Al Qadiri, Motive aus der ozeanischen Welt mit der Geschichte des Erdöls ästhetisch und erzählerisch verbindet. Für viele Jahrhunderte basierte die Wirtschaft der Küstenregionen der Golfstaaten auf dekorativen Perlen; auch der eigene Großvater der Künstlerin arbeitete als Sänger auf einem Perlenfischer-Boot. Die durch die Perlen geprägte regionale kulturelle Identität geriet nach der Entdeckung des Erdöls, durch die nachfolgende abrupte wirtschaftliche Entwicklung im zwanzigsten Jahrhundert, nahezu in Vergessenheit. Die unermesslichen Auswirkungen, die das Erdöl auf das kulturelle Erbe, die Gesellschaft und die Erinnerungen in der Region hatte, vergleicht Al Qadiri mit einer außerirdischen Invasion aus dem Weltraum. Die Künstlerin schafft ebenso fantastische wie kritische Bilder von einer besonderen Strahlkraft, in denen es ihr gelingt, aus den Widersprüchen alternative Lesarten der Realität zu gewinnen.

Die schillernden Farbspektren, die die Perlen und das Öl ästhetisch miteinander verbinden, dienen der Künstlerin dazu, die zwei historischen Denkweisen, geprägt durch die jeweils dominierende Wirtschaft, miteinander zu verbinden und darüber hinaus einen Blick in die Zukunft zu wagen. Eine besondere Rolle spielt dabei die Farbe Violett. Galt sie ursprünglich wegen der aufwendigen Gewinnung als besonders wertvolle und vor allem als königliche Farbe, ist es heute die Farbe des größten Unglücks in der Ölindustrie. Der violette Alarm blinkt nämlich nach der höchsten Gefahrenstufe auf: dann, wenn es eigentlich zu spät ist. Die Künstlerin nutzt diese Farbe als Umschreibung des Zustands menschlichen Lebens auf der Welt – eines Alarmzustandes, in dem der Umgang der Menschen mit der Umwelt auf sie selbst zurückfällt.

Monira Al Qadiri (*1983) ist eine kuwaitische Künstlerin, die im Senegal geboren und in Japan ausgebildet wurde. Im Jahr 2010 promovierte sie an der Tokyo University of the Arts in intermedialer Kunst. Sie befasste sich dort mit der Ästhetik der Traurigkeit im Nahen Osten aus Poesie, Musik, Kunst und religiösen Praktiken. Ihre Arbeit beschäftigt sich nun mit unkonventionellen Genderidentitäten, mit Petro-Kulturen und deren möglicher Zukunft sowie mit den Hinterlassenschaften der Korruption. Sie lebt derzeit in Berlin

Al Qadiri hatte u.a. Einzelausstellungen im CIRCL Pavillon, Amsterdam (2018), Sursock Museum, Beirut (2017); Gasworks, London (2017); Stroom Den Haag, Den Haag (2017) und Tokyo Wonder Site, Japan (2009). Ihre Teilnahme an internationalen Gruppenausstellungen umfasst u.a. Forum Expanded der Berlinale, Berlin (2019), die 9. Asia Pacific Triennial, Brisbane (2018); 6. Athen-Biennale, Athen (2018); Lulea-Biennale, Schweden (2018); 20. Festival für zeitgenössische Kunst Sesc_Videobrasil, Sao Paulo (2017); Palazzo Franchetti San Marco, Venedig (2017); Sursock Museum, Beirut (2016); NYU Abu Dhabi (2016). Sie ist 2019 für den Future Generation Art Prize nominiert gewesen.

Kuratorin: Tomke Braun

Gefördert durch:
Stiftung Niedersachsen
Nierdersächsische Sparkassenstiftung
Sparkasse Göttingen
Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur
Stadt Göttingen
Lanschaftsverband Südniedersachsen e.V.

Zur Eröffnung sprechen: 
Begrüßung: Helmut  Wenzel, Geschäftsführer des Kunstvereins Göttingen
Grußwort: Petra Broistedt, Kulturdezernentin der Stadt Göttingen
Einführung in die Ausstellung: Tomke Braun, Kuratorin des Kunstvereins Göttingen

Der Kunstverein Göttingen präsentiert mit „Empire Dye“ (dt.: „Farbe/Färbung des Imperiums“) die erste umfassende Einzelausstellung von Monira Al Qadiri in Deutschland. „Empire Dye“ nutzt die Metaphorik des Meeres als Ausgangspunkt, um aus einer futuristischen Perspektive über das unvermeidliche Ende der menschlichen Herrschaft über die materiellen Reichtümer der Erde nachzudenken.

In der Ausstellung im Alten Rathaus in Göttingen werden Skulpturen und Videoarbeiten gezeigt, in denen Al Qadiri, Motive aus der ozeanischen Welt mit der Geschichte des Erdöls ästhetisch und erzählerisch verbindet. Für viele Jahrhunderte basierte die Wirtschaft der Küstenregionen der Golfstaaten auf dekorativen Perlen; auch der eigene Großvater der Künstlerin arbeitete als Sänger auf einem Perlenfischer-Boot. Die durch die Perlen geprägte regionale kulturelle Identität geriet nach der Entdeckung des Erdöls, durch die nachfolgende abrupte wirtschaftliche Entwicklung im zwanzigsten Jahrhundert, nahezu in Vergessenheit. Die unermesslichen Auswirkungen, die das Erdöl auf das kulturelle Erbe, die Gesellschaft und die Erinnerungen in der Region hatte, vergleicht Al Qadiri mit einer außerirdischen Invasion aus dem Weltraum. Die Künstlerin schafft ebenso fantastische wie kritische Bilder von einer besonderen Strahlkraft, in denen es ihr gelingt, aus den Widersprüchen alternative Lesarten der Realität zu gewinnen.

Die schillernden Farbspektren, die die Perlen und das Öl ästhetisch miteinander verbinden, dienen der Künstlerin dazu, die zwei historischen Denkweisen, geprägt durch die jeweils dominierende Wirtschaft, miteinander zu verbinden und darüber hinaus einen Blick in die Zukunft zu wagen. Eine besondere Rolle spielt dabei die Farbe Violett. Galt sie ursprünglich wegen der aufwendigen Gewinnung als besonders wertvolle und vor allem als königliche Farbe, ist es heute die Farbe des größten Unglücks in der Ölindustrie. Der violette Alarm blinkt nämlich nach der höchsten Gefahrenstufe auf: dann, wenn es eigentlich zu spät ist. Die Künstlerin nutzt diese Farbe als Umschreibung des Zustands menschlichen Lebens auf der Welt – eines Alarmzustandes, in dem der Umgang der Menschen mit der Umwelt auf sie selbst zurückfällt.

Monira Al Qadiri (*1983) ist eine kuwaitische Künstlerin, die im Senegal geboren und in Japan ausgebildet wurde. Im Jahr 2010 promovierte sie an der Tokyo University of the Arts in intermedialer Kunst. Sie befasste sich dort mit der Ästhetik der Traurigkeit im Nahen Osten aus Poesie, Musik, Kunst und religiösen Praktiken. Ihre Arbeit beschäftigt sich nun mit unkonventionellen Genderidentitäten, mit Petro-Kulturen und deren möglicher Zukunft sowie mit den Hinterlassenschaften der Korruption. Sie lebt derzeit in Berlin

Al Qadiri hatte u.a. Einzelausstellungen im CIRCL Pavillon, Amsterdam (2018), Sursock Museum, Beirut (2017); Gasworks, London (2017); Stroom Den Haag, Den Haag (2017) und Tokyo Wonder Site, Japan (2009). Ihre Teilnahme an internationalen Gruppenausstellungen umfasst u.a. Forum Expanded der Berlinale, Berlin (2019), die 9. Asia Pacific Triennial, Brisbane (2018); 6. Athen-Biennale, Athen (2018); Lulea-Biennale, Schweden (2018); 20. Festival für zeitgenössische Kunst Sesc_Videobrasil, Sao Paulo (2017); Palazzo Franchetti San Marco, Venedig (2017); Sursock Museum, Beirut (2016); NYU Abu Dhabi (2016). Sie ist 2019 für den Future Generation Art Prize nominiert gewesen.

Kuratorin: Tomke Braun

Der Kunstverein Göttingen präsentiert mit „Empire Dye“ (dt.: „Farbe/Färbung des Imperiums“) die erste umfassende Einzelausstellung von Monira Al Qadiri in Deutschland. „Empire Dye“ nutzt die Metaphorik des Meeres als Ausgangspunkt, um aus einer futuristischen Perspektive über das unvermeidliche Ende der menschlichen Herrschaft über die materiellen Reichtümer der Erde nachzudenken.

In der Ausstellung im Alten Rathaus in Göttingen werden Skulpturen und Videoarbeiten gezeigt, in denen Al Qadiri, Motive aus der ozeanischen Welt mit der Geschichte des Erdöls ästhetisch und erzählerisch verbindet. Für viele Jahrhunderte basierte die Wirtschaft der Küstenregionen der Golfstaaten auf dekorativen Perlen; auch der eigene Großvater der Künstlerin arbeitete als Sänger auf einem Perlenfischer-Boot. Die durch die Perlen geprägte regionale kulturelle Identität geriet nach der Entdeckung des Erdöls, durch die nachfolgende abrupte wirtschaftliche Entwicklung im zwanzigsten Jahrhundert, nahezu in Vergessenheit. Die unermesslichen Auswirkungen, die das Erdöl auf das kulturelle Erbe, die Gesellschaft und die Erinnerungen in der Region hatte, vergleicht Al Qadiri mit einer außerirdischen Invasion aus dem Weltraum. Die Künstlerin schafft ebenso fantastische wie kritische Bilder von einer besonderen Strahlkraft, in denen es ihr gelingt, aus den Widersprüchen alternative Lesarten der Realität zu gewinnen.

Die schillernden Farbspektren, die die Perlen und das Öl ästhetisch miteinander verbinden, dienen der Künstlerin dazu, die zwei historischen Denkweisen, geprägt durch die jeweils dominierende Wirtschaft, miteinander zu verbinden und darüber hinaus einen Blick in die Zukunft zu wagen. Eine besondere Rolle spielt dabei die Farbe Violett. Galt sie ursprünglich wegen der aufwendigen Gewinnung als besonders wertvolle und vor allem als königliche Farbe, ist es heute die Farbe des größten Unglücks in der Ölindustrie. Der violette Alarm blinkt nämlich nach der höchsten Gefahrenstufe auf: dann, wenn es eigentlich zu spät ist. Die Künstlerin nutzt diese Farbe als Umschreibung des Zustands menschlichen Lebens auf der Welt – eines Alarmzustandes, in dem der Umgang der Menschen mit der Umwelt auf sie selbst zurückfällt.

Monira Al Qadiri (*1983) ist eine kuwaitische Künstlerin, die im Senegal geboren und in Japan ausgebildet wurde. Im Jahr 2010 promovierte sie an der Tokyo University of the Arts in intermedialer Kunst. Sie befasste sich dort mit der Ästhetik der Traurigkeit im Nahen Osten aus Poesie, Musik, Kunst und religiösen Praktiken. Ihre Arbeit beschäftigt sich nun mit unkonventionellen Genderidentitäten, mit Petro-Kulturen und deren möglicher Zukunft sowie mit den Hinterlassenschaften der Korruption. Sie lebt derzeit in Berlin

Al Qadiri hatte u.a. Einzelausstellungen im CIRCL Pavillon, Amsterdam (2018), Sursock Museum, Beirut (2017); Gasworks, London (2017); Stroom Den Haag, Den Haag (2017) und Tokyo Wonder Site, Japan (2009). Ihre Teilnahme an internationalen Gruppenausstellungen umfasst u.a. Forum Expanded der Berlinale, Berlin (2019), die 9. Asia Pacific Triennial, Brisbane (2018); 6. Athen-Biennale, Athen (2018); Lulea-Biennale, Schweden (2018); 20. Festival für zeitgenössische Kunst Sesc_Videobrasil, Sao Paulo (2017); Palazzo Franchetti San Marco, Venedig (2017); Sursock Museum, Beirut (2016); NYU Abu Dhabi (2016). Sie ist 2019 für den Future Generation Art Prize nominiert gewesen.

Kuratorin: Tomke Braun

Gefördert durch:
Stiftung Niedersachsen
Nierdersächsische Sparkassenstiftung
Sparkasse Göttingen
Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur
Stadt Göttingen
Lanschaftsverband Südniedersachsen e.V.

Rundgang durch die Ausstellung mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Die Gruppenausstellung For Better Or Worse zeigt mit Josefin Arnell, Akinola Davies Jr., Isabella Fürnkäs, Sylbee Kim, Lorna Mills und Rory Pilgrim künstlerische Positionen, die sich mit sozialen Beziehungen, deren innenliegenden Wertesystemen, Wünschen und Vorstellungen beschäftigen. Werden im Zuge der Digitalisierung schnell Ressentiments, der Vorwurf der Entfremdung und das Abtauchen in künstliche Lebenswelten laut, begibt sich For Better Or Worse auf die unendliche Suche nach neuen Modellen von Beisammensein, Interaktion, Familie, Freundschaft und anderen sozialen Verbindungen.

Können sich Pflanzen erinnern? Shira Wachsmann beschäftigt sich in ihrer künstlerisch-forschenden Praxis mit der Frage der Wahrnehmung und dem Erinnerungsvermögen von Pflanzen. Dazu entwickelte sie eine „Memory-Machine“, die sie durch Elektroden mit den Wurzeln und Blättern einer Pflanze verbinden kann. Die Elektroden absorbieren Frequenzen von der Pflanze und das Gerät übersetzt diese mit Hilfe einer visuellen Programmiersprache in Bilder. Ausgehend von den Schallwellen sammelt die Künstlerin Daten über die Reaktionen der Pflanzen, um langfristig die Kommunikation zwischen Pflanzen und ihre Verbindung zu historischen Erinnerungen und Traumata zu erforschen. In Göttingen stellt sie ihre künstlerische Forschung anhand der Alten Linde auf dem Stadtwall vor. Gerichts-, Tanz- oder Dorflinden waren früher als Treffpunkt bekannt und wurden Zeuge aller wichtigen Ereignisse des Dorflebens. Diese Funktion aufgreifend, entwirft Shira Wachsmann zusätzlich eine Bank, die über den Abend hinaus zum Verweilen und zum Nachdenken über die menschliche Kommunikation mit der Pflanzenwelt einlädt.

Shira Wachsmann (*1984 in Tel Aviv, lebt und arbeitet in Berlin) setzt sich in ihren Arbeiten mit dem Begriff „Land“ auseinander. Dabei beschäftigt sie sich einerseits mit Land als

Material, als Erdboden, und andererseits mit Land als Ort und Territorium und untersucht somit die breitgefächerten natürlichen, kulturellen, politischen und historischen Bedingungen von „Land“. Sie nahm an Ausstellungen teil u.a. bei Display Berlin (2019); Kersan Art Foundation and OFCA International Yogyakarta (2018); Kindl – Zentrum für zeitgenössische Kunst (2018); Galerie cubus-m, Berlin (2016); MWW Muzeum Współczesne, Breslau (2015) und Neue Nationalgalerie, Berlin (2014). Wachsmann promoviert am Royal College of Art in London.

Die Gruppenausstellung For Better Or Worse zeigt mit Josefin Arnell, Akinola Davies Jr., Isabella Fürnkäs, Sylbee Kim, Lorna Mills und Rory Pilgrim künstlerische Positionen, die sich mit sozialen Beziehungen, deren innenliegenden Wertesystemen, Wünschen und Vorstellungen beschäftigen. Werden im Zuge der Digitalisierung schnell Ressentiments, der Vorwurf der Entfremdung und das Abtauchen in künstliche Lebenswelten laut, begibt sich For Better Or Worse auf die unendliche Suche nach neuen Modellen von Beisammensein, Interaktion, Familie, Freundschaft und anderen sozialen Verbindungen. Werfen einige der Werke neue Perspektiven für ein Miteinander auf, machen andere das Konfliktpotential von normativen Zuschreibungen spürbar. Dabei zeigt sich die zunehmende Ambivalenz von Distanz und Nähe, sowie Realität und Fiktion im digitalen Zeitalter.

Neben Video, Skulptur, Installation, Fotografie und Zeichnungen liegt ein besonderer Schwerpunkt der Ausstellung auf der Einbindung von Musik als affektivem Träger. Rory Pilgrim zeigt beispielsweise einen Ausschnitt aus seinem Langzeitprojekt und gleichnamigen Lied „The Resounding Bell”, bei dem er einen intergenerationellen Dialog initiiert. Josefin Arnell arbeitet hingegen seit vielen Jahren mit ihrer Mutter zusammen und erschafft eine radikale Ästhetik von Frau-Sein und Familie, die außerhalb dessen liegt, was in unserer Gesellschaft akzeptiert ist. In einer Videoarbeit setzt sich Akinola Davies Jr. mit dem symbiotischen Verhältnis zu Luxusmarken-Fälschungen auseinander, die eine Abgrenzung zu anderen sozialen Schichten vermittelt und persönliche soziale Identität bestätigt. Eine mehrteilige Sound-Installation der Künstlerin Isabella Fürnkäs verkörpert wiederum die entstehenden Leerstellen, wenn trotz zwischenmenschlicher Begegnung und Interaktion, Gefühle von Isolation und Trennung genährt werden. Mit ihren humorvollen und zugleich verstörenden GIF-Installationen reflektiert Lorna Mills das Verhalten in den Sozialen Medien und liefert einen unzensierten Kommentar zur digitalen Kommunikation. Und auch Sylbee Kim thematisiert in ihrer Videoinstallation gesellschaftspolitische Prozesse, indem sie durch die Gegenüberstellung von archaischen und utopischen Gesellschaftsentwürfen das Streben nach technologischem Fortschritt mit dem Glauben an ewiges Leben und Spiritualität verbindet.

Die Ausstellung For Better Or Worse, im Guten wie im Schlechten, untersucht, wie zeitgenössische und netzaffine Künstler*innen die Themen Freundschaft, Liebe und Zusammensein ausdrücken, und zielt darauf ab, aktuelle Entwicklungen und Stereotypen kritisch zu hinterfragen und gleichzeitig Potenziale für das soziale Zusammenleben zu betonen.

Kuratiert von
Tomke Braun und Daniela Seitz

Veranstaltungen

Do. 15.08.2019 18.00 Uhr
Donnerstag-Dialoge
Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren KunstvermittlerInnen zu erkunden, und sich auszutauschen.

So. 08.09.2019 15.00 Uhr
Sonntagsführung
Rundgang durch die Ausstellung mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Gefördert durch:
Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur
Stiftung Sparda Bank Hannover

Bild: Sylbee Kim, Trinity: Finance-Credo-Spirituality, 2019 (video still)

Donnerstag, 15. August, 18.00 Uhr

Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die Donnerstag-Dialoge bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren Kunstvermittler*innen Lara Siegers und Max Holicki zu erkunden, und sich auszutauschen.

Die Gruppenausstellung For Better Or Worse zeigt mit Josefin Arnell, Akinola Davies Jr., Isabella Fürnkäs, Sylbee Kim, Lorna Mills und Rory Pilgrim künstlerische Positionen, die sich mit sozialen Beziehungen, deren innenliegenden Wertesystemen, Wünschen und Vorstellungen beschäftigen. Werden im Zuge der Digitalisierung schnell Ressentiments, der Vorwurf der Entfremdung und das Abtauchen in künstliche Lebenswelten laut, begibt sich For Better Or Worse auf die unendliche Suche nach neuen Modellen von Beisammensein, Interaktion, Familie, Freundschaft und anderen sozialen Verbindungen.

Eintritt frei.

Die Gruppenausstellung For Better Or Worse zeigt mit Josefin Arnell, Akinola Davies Jr., Isabella Fürnkäs, Sylbee Kim, Lorna Mills und Rory Pilgrim künstlerische Positionen, die sich mit sozialen Beziehungen, deren innenliegenden Wertesystemen, Wünschen und Vorstellungen beschäftigen. Werden im Zuge der Digitalisierung schnell Ressentiments, der Vorwurf der Entfremdung und das Abtauchen in künstliche Lebenswelten laut, begibt sich For Better Or Worse auf die unendliche Suche nach neuen Modellen von Beisammensein, Interaktion, Familie, Freundschaft und anderen sozialen Verbindungen. Werfen einige der Werke neue Perspektiven für ein Miteinander auf, machen andere das Konfliktpotential von normativen Zuschreibungen spürbar. Dabei zeigt sich die zunehmende Ambivalenz von Distanz und Nähe, sowie Realität und Fiktion im digitalen Zeitalter.

Neben Video, Skulptur, Installation, Fotografie und Zeichnungen liegt ein besonderer Schwerpunkt der Ausstellung auf der Einbindung von Musik als affektivem Träger. Rory Pilgrim zeigt beispielsweise einen Ausschnitt aus seinem Langzeitprojekt und gleichnamigen Lied „The Resounding Bell”, bei dem er einen intergenerationellen Dialog initiiert. Josefin Arnell arbeitet hingegen seit vielen Jahren mit ihrer Mutter zusammen und erschafft eine radikale Ästhetik von Frau-Sein und Familie, die außerhalb dessen liegt, was in unserer Gesellschaft akzeptiert ist. In einer Videoarbeit setzt sich Akinola Davies Jr. mit dem symbiotischen Verhältnis zu Luxusmarken-Fälschungen auseinander, die eine Abgrenzung zu anderen sozialen Schichten vermittelt und persönliche soziale Identität bestätigt. Eine mehrteilige Sound-Installation der Künstlerin Isabella Fürnkäs verkörpert wiederum die entstehenden Leerstellen, wenn trotz zwischenmenschlicher Begegnung und Interaktion, Gefühle von Isolation und Trennung genährt werden. Mit ihren humorvollen und zugleich verstörenden GIF-Installationen reflektiert Lorna Mills das Verhalten in den Sozialen Medien und liefert einen unzensierten Kommentar zur digitalen Kommunikation. Und auch Sylbee Kim thematisiert in ihrer Videoinstallation gesellschaftspolitische Prozesse, indem sie durch die Gegenüberstellung von archaischen und utopischen Gesellschaftsentwürfen das Streben nach technologischem Fortschritt mit dem Glauben an ewiges Leben und Spiritualität verbindet.

Die Ausstellung For Better Or Worse, im Guten wie im Schlechten, untersucht, wie zeitgenössische und netzaffine Künstler*innen die Themen Freundschaft, Liebe und Zusammensein ausdrücken, und zielt darauf ab, aktuelle Entwicklungen und Stereotypen kritisch zu hinterfragen und gleichzeitig Potenziale für das soziale Zusammenleben zu betonen.

Kuratiert von
Tomke Braun und Daniela Seitz

Veranstaltungen

Do. 15.08.2019 18.00 Uhr
Donnerstag-Dialoge
Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren KunstvermittlerInnen zu erkunden, und sich auszutauschen.

So. 08.09.2019 15.00 Uhr
Sonntagsführung
Rundgang durch die Ausstellung mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Gefördert durch:
Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur
Stiftung Sparda Bank Hannover

Bild: Sylbee Kim, Trinity: Finance-Credo-Spirituality, 2019 (video still)

Rundgang durch die Ausstellung mit Samuel Henne durch seine Ausstellung shifts & tilts.

Der Kunstverein Göttingen zeigt mit shifts & tilts vom 16. Juni bis zum 28. Juli 2019 eine Ausstellung mit Werken des Künstlers Samuel Henne (*1982, Göttingen, lebt in Hannover), New York-Stipendiat 2018 der Niedersächsischen Sparkassenstiftung und des Landes Niedersachsen. Hennes Arbeiten sind durch ein kunst- und kulturtheoretisches Interesse geprägt und werfen Fragen nach den Bedingungen der Produktion und Konstruktion von Bildern sowie deren Lesart auf. Durch die Isolation von Details oder deren inhaltlichen und perspektivischen Verschiebungen macht er strukturelle Aspekte in künstlerischen Arbeiten sowie in deren Präsentationsformen sichtbar.

Der Kunstverein Göttingen eröffnet am 14. Juli um 12.oo Uhr die Ausstellung For Better Or Worse im Alten Rathaus.

Die Gruppenausstellung For Better Or Worse zeigt mit Josefin Arnell, Akinola Davies Jr., Isabella Fürnkäs, Sylbee Kim, Lorna Mills und Rory Pilgrim künstlerische Positionen, die sich mit sozialen Beziehungen, deren innenliegenden Wertesystemen, Wünschen und Vorstellungen beschäftigen. Werden im Zuge der Digitalisierung schnell Ressentiments, der Vorwurf der Entfremdung und das Abtauchen in künstliche Lebenswelten laut, begibt sich For Better Or Worse auf die unendliche Suche nach neuen Modellen von Beisammensein, Interaktion, Familie, Freundschaft und anderen sozialen Verbindungen. Werfen einige der Werke neue Perspektiven für ein Miteinander auf, machen andere das Konfliktpotential von normativen Zuschreibungen spürbar. Dabei zeigt sich die zunehmende Ambivalenz von Distanz und Nähe, sowie Realität und Fiktion im digitalen Zeitalter.

Die Gruppenausstellung For Better Or Worse zeigt mit Josefin Arnell, Akinola Davies Jr., Isabella Fürnkäs, Sylbee Kim, Lorna Mills und Rory Pilgrim künstlerische Positionen, die sich mit sozialen Beziehungen, deren innenliegenden Wertesystemen, Wünschen und Vorstellungen beschäftigen. Werden im Zuge der Digitalisierung schnell Ressentiments, der Vorwurf der Entfremdung und das Abtauchen in künstliche Lebenswelten laut, begibt sich For Better Or Worse auf die unendliche Suche nach neuen Modellen von Beisammensein, Interaktion, Familie, Freundschaft und anderen sozialen Verbindungen. Werfen einige der Werke neue Perspektiven für ein Miteinander auf, machen andere das Konfliktpotential von normativen Zuschreibungen spürbar. Dabei zeigt sich die zunehmende Ambivalenz von Distanz und Nähe, sowie Realität und Fiktion im digitalen Zeitalter.

Neben Video, Skulptur, Installation, Fotografie und Zeichnungen liegt ein besonderer Schwerpunkt der Ausstellung auf der Einbindung von Musik als affektivem Träger. Rory Pilgrim zeigt beispielsweise einen Ausschnitt aus seinem Langzeitprojekt und gleichnamigen Lied „The Resounding Bell”, bei dem er einen intergenerationellen Dialog initiiert. Josefin Arnell arbeitet hingegen seit vielen Jahren mit ihrer Mutter zusammen und erschafft eine radikale Ästhetik von Frau-Sein und Familie, die außerhalb dessen liegt, was in unserer Gesellschaft akzeptiert ist. In einer Videoarbeit setzt sich Akinola Davies Jr. mit dem symbiotischen Verhältnis zu Luxusmarken-Fälschungen auseinander, die eine Abgrenzung zu anderen sozialen Schichten vermittelt und persönliche soziale Identität bestätigt. Eine mehrteilige Sound-Installation der Künstlerin Isabella Fürnkäs verkörpert wiederum die entstehenden Leerstellen, wenn trotz zwischenmenschlicher Begegnung und Interaktion, Gefühle von Isolation und Trennung genährt werden. Mit ihren humorvollen und zugleich verstörenden GIF-Installationen reflektiert Lorna Mills das Verhalten in den Sozialen Medien und liefert einen unzensierten Kommentar zur digitalen Kommunikation. Und auch Sylbee Kim thematisiert in ihrer Videoinstallation gesellschaftspolitische Prozesse, indem sie durch die Gegenüberstellung von archaischen und utopischen Gesellschaftsentwürfen das Streben nach technologischem Fortschritt mit dem Glauben an ewiges Leben und Spiritualität verbindet.

Die Ausstellung For Better Or Worse, im Guten wie im Schlechten, untersucht, wie zeitgenössische und netzaffine Künstler*innen die Themen Freundschaft, Liebe und Zusammensein ausdrücken, und zielt darauf ab, aktuelle Entwicklungen und Stereotypen kritisch zu hinterfragen und gleichzeitig Potenziale für das soziale Zusammenleben zu betonen.

Kuratiert von
Tomke Braun und Daniela Seitz

Veranstaltungen

Do. 15.08.2019 18.00 Uhr
Donnerstag-Dialoge
Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren KunstvermittlerInnen zu erkunden, und sich auszutauschen.

So. 08.09.2019 15.00 Uhr
Sonntagsführung
Rundgang durch die Ausstellung mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Gefördert durch:
Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur
Stiftung Sparda Bank Hannover

Bild: Sylbee Kim, Trinity: Finance-Credo-Spirituality, 2019 (video still)

Der Kunstverein Göttingen zeigt mit shifts & tilts eine Ausstellung mit Werken des Künstlers Samuel Henne, New York-Stipendiat 2018 der Niedersächsischen Sparkassenstiftung und des Landes Niedersachsen.

Hennes Arbeiten sind durch ein kunst- und kulturtheoretisches Interesse geprägt und werfen Fragen nach den Bedingungen der Produktion und Konstruktion von Bildern sowie deren Lesart auf. Durch die Isolation von Details oder deren inhaltlichen und perspektivischen Verschiebungen macht er strukturelle Aspekte in künstlerischen Arbeiten sowie in deren Präsentationsformen sichtbar. Hat Henne in der Vergangenheit wiederholt museale Archivbilder und fotografische Dokumente aufgegriffen, abstrahiert er die darin enthaltenen Ansätze in neueren Werkreihen zunehmend. Innerhalb der Arbeit „conditions“ (2019) referiert Henne beispielsweise auf mögliche Inszenierungen und Settings ohne real existierende Räume als Grundlage zu nehmen. Gefundenes, projiziertes Bildmaterial in den Motiven wird so zu einer fragmentarischen Selbstreferenz in den Bildkonstruktionen. Die Hand als ein wiederkehrendes Motiv in Hennes Werken wird auch in der in New York begonnenen mehrteiligen Arbeit „Hand to hand“ (2019) aufgenommen. Die Skulptur „The Hand of Rodin“ von 1917 dient Henne dabei als assoziativer Ausgangspunkt, um auf verschiedene dem Objekt inhärente historische Aspekte von Mythos, Fehldeutung und Originalität einzugehen. Durch die Verwendung verschiedener Techniken und Medien, nicht zuletzt in Hinblick auf digitale Reproduktionsmöglichkeiten, wird in der Arbeit der Schöpfermythos des Bildhauers inhaltlich und motivisch auf eine gegenwärtige Relevanz hin kritisch befragt. Die thematischen und perspektivischen Verschiebungen in seinen Arbeiten greift Henne, den Bildraum verlassend, ebenfalls in der Gestaltung der Ausstellungsräume auf und reflektiert so wiederholt grundlegende Aspekte musealer Inszenierungstrategien.

Das New York-Stipendium wird vom Land Niedersachsen und von der Niedersächsischen Sparkassenstiftung an herausragende Künstlerinnen und Künstler aus Niedersachsen vergeben. Nach ihrer Station in Göttingen wird die Ausstellung shifts & tilts vom 9. November bis 29. Dezember 2019 in der Halle für Kunst in Lüneburg zu sehen sein. Zur Ausstellung wird ein Katalog mit Textbeiträgen von Marlies Wirth und David Ebony erscheinen.

Samuel Henne (*1982, Göttingen, lebt in Hannover) studierte an der Hochschule für bildende Künste in Braunschweig und schloss sein Studium als Meisterschüler von Prof. Dörte Eißfeldt ab. Neben Einzelausstellungen u.a. im Kunstverein Hannover; Münchner Stadtmuseum; Deutsches Haus der New York University, nahm er an zahlreichen institutionellen Gruppenausstellungen teil, u.a. im NRW-Forum, Düsseldorf; den Deichtorhallen, Hamburg und dem Goethe Institut Washington. Hennes Arbeiten sind mehrfach ausgezeichnet worden, zuletzt 2018 mit dem einjährigen Residenzstipendium am International Studio & Curatorial Program (ISCP) in New York.

Veranstaltungen

Do 20.06.2019, 18.30 Uhr
Donnerstag-Dialoge
Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren Kunstvermittler*innen zu erkunden, und sich auszutauschen.

So 30.06.2019, 15.00 Uhr
Rundgang durch die Ausstellung
mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Fr 19.07.2019, 18.30 Uhr
Künstlerführung mit Samuel Henne
Der Künstler Samuel Henne führt durch seine Ausstellung „shifts & tilts“.

Die Ausstellung wird gefördert durch:
Ministerium für Wissenschaft und Kultur
Niedersächsische Sparkassenstiftung

Rundgang durch die Ausstellung shifts & tilts von Samuel Henne mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Der Kunstverein Göttingen zeigt mit shifts & tilts vom 16. Juni bis zum 28. Juli 2019 eine Ausstellung mit Werken des Künstlers Samuel Henne (*1982, Göttingen, lebt in Hannover), New York-Stipendiat 2018 der Niedersächsischen Sparkassenstiftung und des Landes Niedersachsen. Hennes Arbeiten sind durch ein kunst- und kulturtheoretisches Interesse geprägt und werfen Fragen nach den Bedingungen der Produktion und Konstruktion von Bildern sowie deren Lesart auf. Durch die Isolation von Details oder deren inhaltlichen und perspektivischen Verschiebungen macht er strukturelle Aspekte in künstlerischen Arbeiten sowie in deren Präsentationsformen sichtbar.

Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die Donnerstag-Dialoge bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren Kunstvermittler*innen zu erkunden, und sich auszutauschen.

Der Kunstverein Göttingen zeigt mit shifts & tilts vom 16. Juni bis zum 28. Juli 2019 eine Ausstellung mit Werken des Künstlers Samuel Henne (*1982, Göttingen, lebt in Hannover), New York-Stipendiat 2018 der Niedersächsischen Sparkassenstiftung und des Landes Niedersachsen. Hennes Arbeiten sind durch ein kunst- und kulturtheoretisches Interesse geprägt und werfen Fragen nach den Bedingungen der Produktion und Konstruktion von Bildern sowie deren Lesart auf. Durch die Isolation von Details oder deren inhaltlichen und perspektivischen Verschiebungen macht er strukturelle Aspekte in künstlerischen Arbeiten sowie in deren Präsentationsformen sichtbar.

Der Kunstverein Göttingen eröffnet mit shifts & tilts. New York-Stipendium 2018 des Landes Niedersachsen und der Niedersächsischen Sparkassenstiftung eine Ausstellung mit Werken des Künstlers Samuel Henne, New York-Stipendiat 2018.

Begrüßung: Friedrich-Wilhelm Becker, Vorstandsvorsitzender des Kunstvereins Göttingen
Grußwort: Dr. Annette Schwandner, Leiterin der Kulturabteilung des Ministeriums für Wissenschaft und Kultur, Hannover
Einführung in die Ausstellung: Tomke Braun, Kuratorin des Kunstvereins Göttingen

Hennes Arbeiten sind durch ein kunst- und kulturtheoretisches Interesse geprägt und werfen Fragen nach den Bedingungen der Produktion und Konstruktion von Bildern sowie deren Lesart auf. Durch die Isolation von Details oder deren inhaltlichen und perspektivischen Verschiebungen macht er strukturelle Aspekte in künstlerischen Arbeiten sowie in deren Präsentationsformen sichtbar. Hat Henne in der Vergangenheit wiederholt museale Archivbilder und fotografische Dokumente aufgegriffen, abstrahiert er die darin enthaltenen Ansätze in neueren Werkreihen zunehmend. Innerhalb der Arbeit „conditions“ (2019) referiert Henne beispielsweise auf mögliche Inszenierungen und Settings ohne real existierende Räume als Grundlage zu nehmen. Gefundenes, projiziertes Bildmaterial in den Motiven wird so zu einer fragmentarischen Selbstreferenz in den Bildkonstruktionen. Die Hand als ein wiederkehrendes Motiv in Hennes Werken wird auch in der in New York begonnenen mehrteiligen Arbeit „Hand to hand“ (2019) aufgenommen. Die Skulptur „The Hand of Rodin“ von 1917 dient Henne dabei als assoziativer Ausgangspunkt, um auf verschiedene dem Objekt inhärente historische Aspekte von Mythos, Fehldeutung und Originalität einzugehen. Durch die Verwendung verschiedener Techniken und Medien, nicht zuletzt in Hinblick auf digitale Reproduktionsmöglichkeiten, wird in der Arbeit der Schöpfermythos des Bildhauers inhaltlich und motivisch auf eine gegenwärtige Relevanz hin kritisch befragt. Die thematischen und perspektivischen Verschiebungen in seinen Arbeiten greift Henne, den Bildraum verlassend, ebenfalls in der Gestaltung der Ausstellungsräume auf und reflektiert so wiederholt grundlegende Aspekte musealer Inszenierungstrategien.

Das New York-Stipendium wird vom Land Niedersachsen und von der Niedersächsischen Sparkassenstiftung an herausragende Künstler*innen aus Niedersachsen vergeben. Nach ihrer Station in Göttingen wird die Ausstellung shifts & tilts vom 9. November bis 29. Dezember 2019 in der Halle für Kunst in Lüneburg zu sehen sein. Zur Ausstellung wird ein Katalog mit Textbeiträgen von Marlies Wirth und David Ebony erscheinen.

Samuel Henne (*1982, Göttingen, lebt in Hannover) studierte an der Hochschule für bildende Künste in Braunschweig und schloss sein Studium als Meisterschüler von Prof. Dörte Eißfeldt ab. Neben Einzelausstellungen u.a. im Kunstverein Hannover; Münchner Stadtmuseum; Deutsches Haus der New York University, nahm er an zahlreichen institutionellen Gruppenausstellungen teil, u.a. im NRW-Forum, Düsseldorf; den Deichtorhallen, Hamburg und dem Goethe Institut Washington. Hennes Arbeiten sind mehrfach ausgezeichnet worden, zuletzt 2018 mit dem einjährigen Residenzstipendium am International Studio & Curatorial Program (ISCP) in New York.

Weitere Veranstaltungen

Do 20.06.2019, 18.30Uhr
Donnerstag-Dialoge
Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren Kunstvermittler*innen zu erkunden, und sich auszutauschen.

So 30.06.2019, 15.00 Uhr
Rundgang durch die Ausstellung
mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Der Kunstverein Göttingen zeigt mit shifts & tilts eine Ausstellung mit Werken des Künstlers Samuel Henne, New York-Stipendiat 2018 der Niedersächsischen Sparkassenstiftung und des Landes Niedersachsen.

Hennes Arbeiten sind durch ein kunst- und kulturtheoretisches Interesse geprägt und werfen Fragen nach den Bedingungen der Produktion und Konstruktion von Bildern sowie deren Lesart auf. Durch die Isolation von Details oder deren inhaltlichen und perspektivischen Verschiebungen macht er strukturelle Aspekte in künstlerischen Arbeiten sowie in deren Präsentationsformen sichtbar. Hat Henne in der Vergangenheit wiederholt museale Archivbilder und fotografische Dokumente aufgegriffen, abstrahiert er die darin enthaltenen Ansätze in neueren Werkreihen zunehmend. Innerhalb der Arbeit „conditions“ (2019) referiert Henne beispielsweise auf mögliche Inszenierungen und Settings ohne real existierende Räume als Grundlage zu nehmen. Gefundenes, projiziertes Bildmaterial in den Motiven wird so zu einer fragmentarischen Selbstreferenz in den Bildkonstruktionen. Die Hand als ein wiederkehrendes Motiv in Hennes Werken wird auch in der in New York begonnenen mehrteiligen Arbeit „Hand to hand“ (2019) aufgenommen. Die Skulptur „The Hand of Rodin“ von 1917 dient Henne dabei als assoziativer Ausgangspunkt, um auf verschiedene dem Objekt inhärente historische Aspekte von Mythos, Fehldeutung und Originalität einzugehen. Durch die Verwendung verschiedener Techniken und Medien, nicht zuletzt in Hinblick auf digitale Reproduktionsmöglichkeiten, wird in der Arbeit der Schöpfermythos des Bildhauers inhaltlich und motivisch auf eine gegenwärtige Relevanz hin kritisch befragt. Die thematischen und perspektivischen Verschiebungen in seinen Arbeiten greift Henne, den Bildraum verlassend, ebenfalls in der Gestaltung der Ausstellungsräume auf und reflektiert so wiederholt grundlegende Aspekte musealer Inszenierungstrategien.

Das New York-Stipendium wird vom Land Niedersachsen und von der Niedersächsischen Sparkassenstiftung an herausragende Künstlerinnen und Künstler aus Niedersachsen vergeben. Nach ihrer Station in Göttingen wird die Ausstellung shifts & tilts vom 9. November bis 29. Dezember 2019 in der Halle für Kunst in Lüneburg zu sehen sein. Zur Ausstellung wird ein Katalog mit Textbeiträgen von Marlies Wirth und David Ebony erscheinen.

Samuel Henne (*1982, Göttingen, lebt in Hannover) studierte an der Hochschule für bildende Künste in Braunschweig und schloss sein Studium als Meisterschüler von Prof. Dörte Eißfeldt ab. Neben Einzelausstellungen u.a. im Kunstverein Hannover; Münchner Stadtmuseum; Deutsches Haus der New York University, nahm er an zahlreichen institutionellen Gruppenausstellungen teil, u.a. im NRW-Forum, Düsseldorf; den Deichtorhallen, Hamburg und dem Goethe Institut Washington. Hennes Arbeiten sind mehrfach ausgezeichnet worden, zuletzt 2018 mit dem einjährigen Residenzstipendium am International Studio & Curatorial Program (ISCP) in New York.

Veranstaltungen

Do 20.06.2019, 18.30 Uhr
Donnerstag-Dialoge
Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren Kunstvermittler*innen zu erkunden, und sich auszutauschen.

So 30.06.2019, 15.00 Uhr
Rundgang durch die Ausstellung
mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Fr 19.07.2019, 18.30 Uhr
Künstlerführung mit Samuel Henne
Der Künstler Samuel Henne führt durch seine Ausstellung „shifts & tilts“.

Die Ausstellung wird gefördert durch:
Ministerium für Wissenschaft und Kultur
Niedersächsische Sparkassenstiftung

A friend of mine once told me that there is no greater fortune than being in an institution like this one when the storm comes. Togetherness that weaves itself so tightly that you will never see yourself as a single unit again.
-Miriam Stoney

„Remain Calm“ ist eine dreitägige performative Ausstellung, die der Künstler Nile Koetting für den Kunstverein Göttingen entwickelt. Das Publikum ist dabei in einen sich stetig wandelnden Raum eingeladen, in dem Installation, Performance, Klang, Licht, Düfte und Texte der Autorin Miriam Stoney verbunden werden. Das Projekt ist inspiriert von den jährlichen, landesweiten Evakuierungsübungen in Japan, wo Koetting geboren wurde und aufgewachsen ist, um sich auf Naturkatastrophen und militärische Angriffe vorzubereiten. Der Künstler verknüpft diese Erfahrung mit Science-Fiction-ähnlichen modernen Hochsicherheitstechnologien und risikominimierenden Entwicklungen, die einen Schutzraum versprechen. Diese beschwichtigenden Strategien sind derzeit sowohl in der physischen als auch in der virtuellen Welt zu beobachten. In diesem Sinne fragt der Künstler in seiner Arbeit, wie wir in einer Welt, in der Katastrophen und Risiken endlos geprobt werden, navigieren und gemeinsam genutzten Raum schaffen können? Koetting nutzt die Kunstinstitution als Grundlage seiner Szenografie und verweist auf deren Rolle als Reflexions- und Diskursraum. “Remain Calm” ergründet die Beziehungen zwischen Evakuierungsübungen, Sicherheitszonen und Schutzräumen, sowie deren Zugänglichkeit und, fragt, wie der Zustand und die Verbindung zwischen Gegenständen, Körpern und der Gemeinschaft in einer zugleich hyper-sicheren und unsicheren Gegenwart neu definiert werden können.

Kuratorin: Tomke Braun

Team „Remain Calm“
Skript und Text: Miriam Stoney
Ton: Nozomu Matsumoto
Video: Yoshihihiro Inada
Performed von und mit: Avrina Jos, Djibril Sall, Miriam Stoney, Nile Koetting, Simone Gisela Weber, Vreneli Harborth Performance-Zusammenarbeit: Felipe Amaya Gonzalez, Djibril Sall, Simone Gisela Weber
Programmierer: Kanai Tomomitsu
Fotograf: Marius Land

Nile Koetting (* 1989, Japan) lebt und arbeitet in Tokio und Berlin. Er arbeitet mit einer Vielzahl von Medien, darunter Performance, Sound und Installation. Seine Projekte erforschen eine neue Wahrnehmung des Wechselspiels von materiellen und immateriellen, lebenden und nicht-lebenden Wesen in einer Umgebung von technologischer Zeit und Raum. Seine Arbeiten wurden u.a. beim Somerset House, London (2018); Moscow Biennale, Tretyakov Gallery, Russland (2017); Kunstverein Hannover (2017); ZKM Karlsruhe (2016); Mori Art Museum, Tokio, Japan (2016); Maison Hermès, Tokyo, Japan (2016) und 3hd Festival, Berlin (2016) gezeigt. Derzeit nimmt er am Residenzprogramm der Cité des Internationale Paris teil und wurde von der Agency for Cultural Affairs der japanischen Regierung mit dem Overseas Study Program for Artists ausgezeichnet.

„Remain Calm“ wird im April in veränderter Form im Palais de Tokyo, Paris, gezeigt werden. Der Künstler wird von der Agency for Cultural Affairs, Government of Japan, unterstützt.

Die Artothek des Kunstvereins Göttingen präsentiert vom 14. bis zum 24. März eine Ausstellung mit Werken aus ihren Beständen im Künstlerhaus.

Seit 1988 bietet der Kunstverein Göttingen mit der Artothek die Möglichkeit, Werke der bildenden Kunst auszuleihen. Die artothek verfügt über eine große Auswahl von moderner und zeitgenössischer Kunst, die von Privatpersonen, Firmen und öffentlichen Institutionen entliehen werden können. Der Schwerpunkt der Ausleihsammlung liegt auf Druckgrafiken, darüber hinaus stehen Fotografien, Zeichnungen, Aquarelle und Ölgemälde zur Ausleihe bereit.

Die Ausstellung, die einen Einblick in die Vielfalt und die Qualität der inzwischen mehr als 700 Arbeiten umfassenden Sammlung der Artothek vermittelt, informiert gleichzeitig über die Mitgliedschaft, die Internetpräsenz (ARTminer) und die Ausleihmodalitäten in der Artothek.

Wir laden Sie herzlich ein zur Eröffnung unserer Ausstellung mit Arbeiten aus den Beständen der Artothek des Kunstvereins Göttingen.

Seit 1988 bietet der Kunstverein Göttingen mit der Artothek die Möglichkeit, Werke der bildenden Kunst auszuleihen. Die artothek verfügt über eine große Auswahl von moderner und zeitgenössischer Kunst, die von Privatpersonen, Firmen und öffentlichen Institutionen entliehen werden können. Der Schwerpunkt der Ausleihsammlung liegt auf Druckgrafiken, darüber hinaus stehen Fotografien, Zeichnungen, Aquarelle und Ölgemälde zur Ausleihe bereit.

Die Ausstellung, die einen Einblick in die Vielfalt und die Qualität der inzwischen mehr als 700 Arbeiten umfassenden Sammlung der Artothek vermittelt, informiert gleichzeitig über die Mitgliedschaft, die Internetpräsenz (ARTminer) und die Ausleihmodalitäten in der Artothek.

Rundgang durch die Ausstellung „Private Viewing“ von Sofia Duchovny mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Im Rahmen der Ausstellung Private Viewing von Sofia Duchovny wurde im Zeitraum 8. – 12. März 2019 der Workshop Space to be vom Kunstverein Göttingen in Kooperation mit dem Max-Planck-Gymnasium realisiert.

16 Schüler*innen der Jahrgänge 8 – 10 besuchten die Ausstellung im Kunstverein als Vorbereitung auf den Workshop Space to be, der zusammen mit der Künstlerin folgen sollte. Mit einer Einführung durch das Team der Kunstvermittlung vertiefte sich die Gruppe  in die Welt der Künstlerin und ließen sich auf inspirierende Weise irritieren. Den ersten Tag verbrachten die Jugendlichen ausschließlich in der Ausstellung. Durch verschiedene Spiele und gestalterische Übungen näherten wir uns den Themen, Motiven und Materialien der Arbeiten. Orientierung bot hierbei ein Fragebogen in dem wir Skizzen, Fragen und Beobachtungen strukturierten. Schnell wurden wir auf die Materialität der Installationen aufmerksam und konnten ihre Herkunft dem Zelt- und Drachenbau zuordnen. Das diese Konstruktionen einen zügigen Auf- und Abbau der raumgreifenden Skulpturen ermöglichten, sollte uns die weiteren Tage auch beim eigenen Gestalten begleiten. In verschiedenen Übungen zur Bildung freier Assoziationsketten vertieften wir uns in die Motive der Aquarelle und tauschten uns über mögliche, und teilweise private Lesarten und Erzählungen aus. Anschließend wurde in eigenen Aquarellserien mit Wasserreservoirpinseln, vor der Frage „Was geschah davor/ danach?“, die Motive der Ausstellung weitergeführt und offene Narrationen ausprobiert. Da der Ausstellungsbesuch von einer Reihe Fragen begleitet wurde, gab es die Möglichkeit, Briefe an Sofia zu schreiben und sie in einer passend herzförmigen Schachtel zu sammeln. Mit der Frage „Was ist Privat? Was bedeutet öffentlich?“ und natürlich auch mit der Vorfreude auf den Bau eigener raumgreifender Skulpturen wurde die Gruppe ins Wochenende entlassen. Nach dem Wochenende trafen die Schülerinne und Schüler auf Sofia Duchovny. Die Herzschachtel wurde der Künstlerin überreicht und bot einen direkten Einstieg ins Thema. Bevor der Bau der mobilen Skulpturen begann, tauschten wir uns darüber aus, was der private und öffentliche Raum überhaupt für uns bedeutet. In den gemeinsamen Gesprächen wurde klar, wie viele unterschiedliche Auffassungen und Überlegungen zu dem Thema existieren. So bildeten sich schließlich fünf Kleingruppen, in denen thematisch verschiedene Aspekt fokussiert wurden. Eine Gruppe verstand beispielsweise das Private als das Gegenteil des Öffentlichen, eine andere hingegen wollte verschiedene Sphären privater Räume darstellen, eine weitere arbeitete eher mit assoziativen Bildern und arbeitete Aquarelle mit privater Bedeutung mit ein. Wichtige Leitfrage aller Gruppen war: Was ist unsere Aussage oder Überlegung zu dem Thema und wie bringen wir sie mit Formsprache und Materialität zum Ausdruck? Es wurde mit der Überlagerung verschiedener transparenter Stoffe aus Zelt- und Drachenbau experimentiert. Durch die Verspannung von Kohlefaserstäben nahmen die Werke schnell voluminöse Formen an, sodass auf den Tischen stehend daran gearbeitet werden musste. Bei diesen Experimenten mit dem Aufbau von Räumlichkeit, und dem reflektieren der Beziehung von Form und Inhalt, stand Sofia Duchovny den Schüler*innen mit ihrer Erfahrung  hilfreich zur Seite. Inspiriert durch die mobilen Skulpturen der Künstlerin, sollten auch die Konstruktionen der Schülerinnen und Schüler, sich leicht auf- und wieder abbauen lassen. In zwei konzentrierten Arbeitstagen in den Werkräumen des Max-Planck-Gymnasiums, wurde gehämmert, gesägt, vernäht, verspannt, aufgebaut, verworfen und wieder aufgebaut. Herausforderungen wie die Eigenwilligkeiten der Nähmaschine wurden mit guter Laune gemeistert und so konnten am letzten Tag alle Gruppen zufrieden auf ihre Ergebnisse blicken. Eine Gruppe hatte noch zeitliche Kapazitäten, um dem Motiv der Mobilität der Skulpturen mit dem Mittel des Stop-Motion-Films nachzugehen. Und es entstand ein kleines Video der mobilen Skulpturen.

Die Ergebnisse werden in der Jahresdokumentation und einer eigenen kleinen Broschüre der Kunstvermittlung des Kunstvereins Göttingen präsentiert.

Die Fotos auf dieser Seite stammen von Jan Vetter.

Das Projekt wird gefördert von der VGH-Stiftung und KUNST e.V.

Der Kunstverein Göttingen eröffnet das Jahresprogramm 2019 mit einer Einzelausstellung der Künstlerin Sofia Duchovny. Der Titel der Ausstellung „Private Viewing“ suggeriert – unterstützt durch den theatral gerahmten Blick in das Studio der Künstlerin – Exklusivität, die durch die Öffentlichkeit der Ausstellung parodiert wird. Duchovnys Werke sind geprägt von der Ambivalenz zwischen Privatheit und Öffentlichkeit, zwischen dem, was gezeigt wird, und dem was gesehen werden soll, zwischen Intimität und Authentizität. Die Künstlerin vermittelt diese Spannungsfelder in ihren Werken mit Humor und entwaffnender Emotionalität.

In der Ausstellung verbinden sich Skulpturen und Malereien zu einem filmisch anmutenden Parcours. Duchovny setzt hierfür ihre Beschäftigung der vergangenen Jahre mit dem Kunstwerk als flexiblem und nicht-passivem Objekt fort. Im Zuge dieser Arbeit entwickelt sie eine Serie von faltbaren Skulpturen. Die entstehenden Raum-in-Raum-Gebilde sind leicht und durchscheinend, dominieren dennoch durch Größe und Präsenz die Ausstellungsräume. Ihre Materialität verstärkt die Dichotomie zwischen romantischer Fragilität und autonomer Stärke. Sie ähneln überlebensgroßen Insekten und rufen gleichzeitig Assoziationen an den weiblichen Körper wach.

Ebenso wie bei den Skulpturen bestimmen auch in den vorrangig in Pastelltönen gehaltenen Malereien runde Formen. Mit Naivität spielend, verwickelt Duchovny die Betrachter*innen in ihre Bildwelten. Die darauf abgebildeten herzförmigen Schachteln werden zum Bildträger und nutzen die Perspektive, um räumliche Irritationen hervorzurufen. Auf ihnen sind Hunde und Insektenbeine, zerwühlte Betten und unter der Decke hervorschauende Füße, aber auch Einschusslöcher und Zäune zu sehen. Duchovny entwickelt mithilfe von diesen Miniatur-Bildern oder Ikons das Vokabular für eine zugleich persönliche wie universelle Sprache.

Kuratorin: Tomke Braun

Sofia Duchovny (*1988, Moskau) lebt und arbeitet in Berlin. Sie schloss ihr Studium 2014 an der Hochschule für Bildende Künste Städelschule in Frankfurt a. M. als Meisterschülerin bei Monika Baer ab. 2016 nahm sie am Berlin Program for Artists teil. Ihre Werke wurden u.a. in Ausstellungen bei Künstlerhaus Bremen (2018), Kunstverein Hannover (2017), Between Bridges (2017) und Kunstverein Braunschweig (2016) gezeigt. 2016 absolvierte Duchovny eine Residency bei HIAP in Helsinki, Finnland. Ihre Ausstellung im Kunstverein Göttingen ist die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin, anlässlich der ein Künstlerinnenbuch erscheint.

Gefördert durch:
Stiftung Kunstfonds
Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur

Veranstaltungen

Do. 14.02.2019 18.30 Uhr
Donnerstag-Dialoge
Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren KunstvermittlerInnen zu erkunden, und sich auszutauschen.

Do. 28.02.2019 18.30 Uhr
Lecture von Sofia Duchovny
Die Künstlerin gibt einen Einblick in ihre Arbeitsprozesse und hinter die Kulissen des Künstler*innendaseins.

So. 10.03.2019 15.00 Uhr
Sonntagsführung
Rundgang durch die Ausstellung mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Ausstellungsansichten

Wir laden Sie herzlich zu Sofia Duchovny’s Lecture im Rahmen von „Private Viewing“ (19. Januar – 10. März 2019), ihrer aktuellen Einzelausstellung im Kunstverein Göttingen, ein. Die Werke von Sofia Duchovny sind geprägt von der Ambivalenz zwischen Privatheit und Öffentlichkeit, zwischen dem was gezeigt wird und dem was gesehen werden soll, zwischen Intimität und Authentizität. Die Künstlerin vermittelt diese Spannungsfelder in ihren Werken mit Humor und entwaffnender Emotionalität. In ihrer Lecture gibt Sofia Duchovyn einen Einblicke in ihre Arbeitsprozesse und hinter die Kulissen des Künstler*innendaseins.

Sofia Duchovny (*1988, Moskau) lebt und arbeitet in Berlin. Sie schloss ihr Studium 2014 an der Hochschule für Bildende Künste Städelschule in Frankfurt a. M. als Meisterschülerin bei Monika Baer ab. 2016 nahm sie am Berlin Program for Artists teil. Ihre Werke wurden u.a. in Ausstellungen bei Künstlerhaus Bremen (2018), Kunstverein Hannover (2017), Between Bridges (2017) und Kunstverein Braunschweig (2016) gezeigt. 2016 absolvierte Duchovny eine Residency bei HIAP in Helsinki, Finnland.

Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren KunstvermittlerInnen zu erkunden, und sich auszutauschen.

Ausstellung: „Private Viewing“ von Sofia Duchovny.

Der Kunstverein Göttingen eröffnet das Jahresprogramm 2019 mit einer Einzelausstellung der Künstlerin Sofia Duchovny. Der Titel der Ausstellung „Private Viewing“ suggeriert – unterstützt durch den theatral gerahmten Blick in das Studio der Künstlerin – Exklusivität, die durch die Öffentlichkeit der Ausstellung parodiert wird. Duchovnys Werke sind geprägt von der Ambivalenz zwischen Privatheit und Öffentlichkeit, zwischen dem, was gezeigt wird, und dem was gesehen werden soll, zwischen Intimität und Authentizität. Die Künstlerin vermittelt diese Spannungsfelder in ihren Werken mit Humor und entwaffnender Emotionalität.

In der Ausstellung verbinden sich Skulpturen und Malereien zu einem filmisch anmutenden Parcours. Duchovny setzt hierfür ihre Beschäftigung der vergangenen Jahre mit dem Kunstwerk als flexiblem und nicht-passivem Objekt fort. Im Zuge dieser Arbeit entwickelt sie eine Serie von faltbaren Skulpturen. Die entstehenden Raum-in-Raum-Gebilde sind leicht und durchscheinend, dominieren dennoch durch Größe und Präsenz die Ausstellungsräume. Ihre Materialität verstärkt die Dichotomie zwischen romantischer Fragilität und autonomer Stärke. Sie ähneln überlebensgroßen Insekten und rufen gleichzeitig Assoziationen an den weiblichen Körper wach.

Ebenso wie bei den Skulpturen bestimmen auch in den vorrangig in Pastelltönen gehaltenen Malereien runde Formen. Mit Naivität spielend, verwickelt Duchovny die Betrachter*innen in ihre Bildwelten. Die darauf abgebildeten herzförmigen Schachteln werden zum Bildträger und nutzen die Perspektive, um räumliche Irritationen hervorzurufen. Auf ihnen sind Hunde und Insektenbeine, zerwühlte Betten und unter der Decke hervorschauende Füße, aber auch Einschusslöcher und Zäune zu sehen. Duchovny entwickelt mithilfe von diesen Miniatur-Bildern oder Ikons das Vokabular für eine zugleich persönliche wie universelle Sprache.

Kuratorin: Tomke Braun

Sofia Duchovny (*1988, Moskau) lebt und arbeitet in Berlin. Sie schloss ihr Studium 2014 an der Hochschule für Bildende Künste Städelschule in Frankfurt a. M. als Meisterschülerin bei Monika Baer ab. 2016 nahm sie am Berlin Program for Artists teil. Ihre Werke wurden u.a. in Ausstellungen bei Künstlerhaus Bremen (2018), Kunstverein Hannover (2017), Between Bridges (2017) und Kunstverein Braunschweig (2016) gezeigt. 2016 absolvierte Duchovny eine Residency bei HIAP in Helsinki, Finnland. Ihre Ausstellung im Kunstverein Göttingen ist die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin, anlässlich der ein Künstlerinnenbuch erscheint.

Gefördert durch:
Stiftung Kunstfonds
Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur

Veranstaltungen

Do. 14.02.2019 18.30 Uhr
Donnerstag-Dialoge
Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren KunstvermittlerInnen zu erkunden, und sich auszutauschen.

Do. 28.02.2019 18.30 Uhr
Lecture von Sofia Duchovny
Die Künstlerin gibt einen Einblick in ihre Arbeitsprozesse und hinter die Kulissen des Künstler*innendaseins.

So. 10.03.2019 15.00 Uhr
Sonntagsführung
Rundgang durch die Ausstellung mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Ausstellungsansichten

Der Kunstverein Göttingen eröffnet das Jahresprogramm 2019 mit einer Einzelausstellung der Künstlerin Sofia Duchovny. Der Titel der Ausstellung „Private Viewing“ suggeriert – unterstützt durch den theatral gerahmten Blick in das Studio der Künstlerin – Exklusivität, die durch die Öffentlichkeit der Ausstellung parodiert wird. Duchovnys Werke sind geprägt von der Ambivalenz zwischen Privatheit und Öffentlichkeit, zwischen dem, was gezeigt wird, und dem was gesehen werden soll, zwischen Intimität und Authentizität. Die Künstlerin vermittelt diese Spannungsfelder in ihren Werken mit Humor und entwaffnender Emotionalität.

In der Ausstellung verbinden sich Skulpturen und Malereien zu einem filmisch anmutenden Parcours. Duchovny setzt hierfür ihre Beschäftigung der vergangenen Jahre mit dem Kunstwerk als flexiblem und nicht-passivem Objekt fort. Im Zuge dieser Arbeit entwickelt sie eine Serie von faltbaren Skulpturen. Die entstehenden Raum-in-Raum-Gebilde sind leicht und durchscheinend, dominieren dennoch durch Größe und Präsenz die Ausstellungsräume. Ihre Materialität verstärkt die Dichotomie zwischen romantischer Fragilität und autonomer Stärke. Sie ähneln überlebensgroßen Insekten und rufen gleichzeitig Assoziationen an den weiblichen Körper wach.

Ebenso wie bei den Skulpturen bestimmen auch in den vorrangig in Pastelltönen gehaltenen Malereien runde Formen. Mit Naivität spielend, verwickelt Duchovny die Betrachter*innen in ihre Bildwelten. Die darauf abgebildeten herzförmigen Schachteln werden zum Bildträger und nutzen die Perspektive, um räumliche Irritationen hervorzurufen. Auf ihnen sind Hunde und Insektenbeine, zerwühlte Betten und unter der Decke hervorschauende Füße, aber auch Einschusslöcher und Zäune zu sehen. Duchovny entwickelt mithilfe von diesen Miniatur-Bildern oder Ikons das Vokabular für eine zugleich persönliche wie universelle Sprache.

Kuratorin: Tomke Braun

Sofia Duchovny (*1988, Moskau) lebt und arbeitet in Berlin. Sie schloss ihr Studium 2014 an der Hochschule für Bildende Künste Städelschule in Frankfurt a. M. als Meisterschülerin bei Monika Baer ab. 2016 nahm sie am Berlin Program for Artists teil. Ihre Werke wurden u.a. in Ausstellungen bei Künstlerhaus Bremen (2018), Kunstverein Hannover (2017), Between Bridges (2017) und Kunstverein Braunschweig (2016) gezeigt. 2016 absolvierte Duchovny eine Residency bei HIAP in Helsinki, Finnland. Ihre Ausstellung im Kunstverein Göttingen ist die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin, anlässlich der ein Künstlerinnenbuch erscheint.

Gefördert durch:
Stiftung Kunstfonds
Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur

Veranstaltungen

Do. 14.02.2019 18.30 Uhr
Donnerstag-Dialoge
Ob als Ausklang des Tages oder als Auftakt für den Feierabend, die „Donnerstag-Dialoge“ bieten die Möglichkeit die Ausstellung zusammen mit unseren KunstvermittlerInnen zu erkunden, und sich auszutauschen.

Do. 28.02.2019 18.30 Uhr
Lecture von Sofia Duchovny
Die Künstlerin gibt einen Einblick in ihre Arbeitsprozesse und hinter die Kulissen des Künstler*innendaseins.

So. 10.03.2019 15.00 Uhr
Sonntagsführung
Rundgang durch die Ausstellung mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.

Ausstellungsansichten

Ausstellung der Kunstvermittlungsprojekte des Kunstvereins Göttingen 2018

Am Donnerstag, 29. November, um 17:00 Uhr eröffnet die Kunstvermittlung des Kunstvereins Göttingen ihre Jahresausstellung im Gewölbekeller des Künstlerhauses in der Gotmarstraße 1.

Utopische Stadtmodelle, merkwürdige Papierobjekte, Schmuck und Roboter aus Elektroschrott, Zeichnungen, Fotocollagen, kleine Animationsfilme sowie Film- und Fotodokumente aller Workshops und Projekte des Jahres 2018 sind bis zum 16. Dezember dienstags bis freitags von 16:00 bis 18:00 Uhr und samstags und sonntags von 11:00 bis 16:00 Uhr in zu sehen. Zur Ausstellung liegt auch die gedruckte Jahresdokumentation vor.

Am 16.2. besuchten die Kinder des Paritätischen Kindergartens Grone mit Ute Wieder die Ausstellung von Amy Ball. Noch bevor sie ihre Jacken abgelegt hatten, formten sie erst mal das Plakatmotiv mit ihren Händen nach.

Dann galt es, in der Ausstellung einen persönlichen „Schatz“ zu finden und diesen mit einem Tablet zu fotografieren und zu filmen. Besonders anziehend war für alle die große Installation mit dem animierten Film in einer gemalten Häuserkulisse. Gleich stellten sich die Kinder in den Lichtkegel des Projektors und ließen ihre Schatten in der Straße tanzen.

Der Ausstellungsbesuch war aber nur der Auftakt zu einem Projekt, das noch über das Jahr weiterverfolgt wird und an dessen Ende eigene kleine Filme stehen sollen. Im Kindergarten haben sie begonnen, ihre Häuser und Kulissen zu malen und Figuren auszuschneiden. Erste kleine Filme haben sich die Kinder schon selbst ausgedacht und fertiggestellt. Einer davon steht unten zum Download bereit. Wir sind gespannt und freuen uns auf die weiteren.

Die Bilder auf dieser Seite stammen von Ute Wieder.

Ausstellung der Kunstvermittlungsprojekte des Kunstvereins Göttingen 2018

Am Donnerstag, 29. November, um 17:00 Uhr eröffnet die Kunstvermittlung des Kunstvereins Göttingen ihre Jahresausstellung im Gewölbekeller des Künstlerhauses in der Gotmarstraße 1.

Utopische Stadtmodelle, merkwürdige Papierobjekte, Schmuck und Roboter aus Elektroschrott, Zeichnungen, Fotocollagen, kleine Animationsfilme sowie Film- und Fotodokumente aller Workshops und Projekte des Jahres 2018 sind bis zum 16. Dezember dienstags bis freitags von 16:00 bis 18:00 Uhr und samstags und sonntags von 11:00 bis 16:00 Uhr in zu sehen. Zur Ausstellung liegt auch die gedruckte Jahresdokumentation vor.

Am 16.2. besuchten die Kinder des Paritätischen Kindergartens Grone mit Ute Wieder die Ausstellung von Amy Ball. Noch bevor sie ihre Jacken abgelegt hatten, formten sie erst mal das Plakatmotiv mit ihren Händen nach.

Dann galt es, in der Ausstellung einen persönlichen „Schatz“ zu finden und diesen mit einem Tablet zu fotografieren und zu filmen. Besonders anziehend war für alle die große Installation mit dem animierten Film in einer gemalten Häuserkulisse. Gleich stellten sich die Kinder in den Lichtkegel des Projektors und ließen ihre Schatten in der Straße tanzen.

Der Ausstellungsbesuch war aber nur der Auftakt zu einem Projekt, das noch über das Jahr weiterverfolgt wird und an dessen Ende eigene kleine Filme stehen sollen. Im Kindergarten haben sie begonnen, ihre Häuser und Kulissen zu malen und Figuren auszuschneiden. Erste kleine Filme haben sich die Kinder schon selbst ausgedacht und fertiggestellt. Einer davon steht unten zum Download bereit. Wir sind gespannt und freuen uns auf die weiteren.

Die Bilder auf dieser Seite stammen von Ute Wieder.

Am 28. September konnten wir in der gut gefüllten Aula der BBS1 den Abschluss unseres Projektes feiern und die Ergebnisse vorstellen. Wir hatten mit den Skizzen und Objekten eine kleine Ausstellung aufgebaut. Auch unsere Projekt-T-Shirts kamen noch einmal zum Einsatz.

Es war eine tolle Veranstaltung, die nicht nur den Gästen, sondern auch allen Beteiligten noch einmal vor Augen führte, was wir in diesem Projekt alles gemeinsam auf die Beine gestellt haben. Nach der Begrüßung durch den Schulleiter, Herrn Wiemann, überbrachte Kreisrat Marcel Riethig ein Grußwort des Landkreises Göttingen als Träger der Schule. Eine Anerkennung, über die wir uns alle sehr gefreut haben. Ein Team aus zwei Schülerinnen und einem Schüler moderierten die Veranstaltung. Im weiteren Verlauf waren Ausschnitte aus dem Radiobeitrag zu hören, der am 8. + 21.9. vom Stadtradio Göttingen gesendet worden war, alle konnten erstmals den fertig geschnittenen Film sehen und auch die Dokumentationsbroschüre war rechtzeitig fertig geworden und konnte präsentiert werden.

Die Broschüre steht hier als download zur Verfügung. Die Bilder darin und auf dieser Seite stammen von unserem treuen fotografischen Begleiter, Jan Vetter.

Im Rahmen der Veranstaltung wurde auch das Projekt „MEIN MÜLL – MEINE VERANTWORTUNG“ präsentiert, das parallel zu unserem stattgefunden hatte. Es war interessant zu sehen, was andere gemacht haben und wie sie es vorstellen.

Für die finanzielle Unterstützung unseres Projekts danken wir noch einmal der Klosterkammer Hannover und dem Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur!

Die vorwiegend neuen Arbeiten der Künstlerinnen Ayami Awazuhara und Dunja Herzog zeigen in der Doppelausstellung Drift and Shift verschiedene Perspektiven auf Themen des kulturellen Transfers von Rohstoffen, Waren und Bedeutungen.

Awazuharas künstlerische Praxis umfasst eine Vielzahl von Medien über Fotografie, Performance, Installation bis hin zu Video. Was ihre Werke verbindet, ist das Aufzeigen kultureller Transformationsprozesse, die sie im Alltäglichen und Allgegenwärtigen aufspürt. Für die Ausstellung im Kunstverein Göttingen widmet sich die Künstlerin zum einen dem Element Wasser und dessen philosophischer Bedeutung. Davon ausgehend führen ihre Recherchen zum Fontana di Trevi in Rom sowie zu Springbrunnen in anonymen Einkaufszentren der ganzen Welt, die sie in einer fotografischen Arbeit zusammenführt. Zum anderen beschäftigt sich Awazuhara mit dem Phänomen, dass die Namen vieler Geschäfte, Restaurants und Cafés in Berlin auf weit entfernte Städte, Regionen und Länder rekurrieren, wie beispielsweise das Lebensmittelgeschäft Bagdad oder der Kosmetiksalon USA Nails. Aus einer beobachtenden Perspektive entwickelt die Künstlerin in ihrer Videoarbeit eine Topografie der Stadt Berlin, in der sie die Sehnsucht nach Ferne und die verblassende Erinnerung an eine Heimat mit den alltäglichen Szenen und Interaktionen, die sich im Kontext von Handel, Waren und Dienstleistungen abspielen, verbindet.

Die künstlerischen Arbeiten von Herzog sind geprägt von den Wirkungen der Kolonialgeschichte auf persönliche Erzählungen, Körper und Materialien, die sie zu achtsamen und poetischen Räumen verdichtet. Im Kunstverein Göttingen präsentiert die Künstlerin eine Serie von Messingobjekten, die sie in Zusammenarbeit mit der Werkstatt von Phil Omodamwen, einem Bronzegießer der siebten Generation aus Benin-Stadt in Nigeria, produziert. Einige der Arbeiten sind Teil ihrer Schmuckkollektion „red gold import export“ – einem Langzeitprojekt von Herzog –, für die sie das Material aus E-Waste gewinnt. Gemeinsam mit den Künstler*innen Jeremiah Day und Hilla Steinert reflektiert sie außerdem die geschichtlichen Hintergründe sowie die leitenden Eigenschaften von Kupfer, welches als Material die Grundlage ihrer Werke bildet, und übersetzt sie in eine körperbasierte Performance. Die Performance findet am 7. Oktober um 12 Uhr im Alten Rathaus statt.

Ayami Awazuhara (*1985, Nagano, JP) lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin und schloss ihr Studium als Meisterschülerin bei Manfred Pernice ab. Einzel- und Doppelausstellungen umfassen u.a. Despacio, San José, CRC; Kunsthalle Lissabon, PT; Jupiter Woods, London, GB. Awazuhara war zudem an Gruppenausstellungen bei Parallel Oaxaca, MX; Haus am Lützowplatz, Berlin, DE u.v.m. beteiligt.

Dunja Herzog (*1975, Basel, CH) lebt und arbeitet in Berlin und Basel. Ihre Werke wurden in Einzelausstellungen bei 1646, Den Haag, NL; New Bretagne/Belle Air, Essen, DE; Piano Mobile, Genf, CH; Istituto Svizzero, Mailand, IT, gezeigt. Sie nahm u.a. an Gruppenausstellungen bei Swiss Art Award, Basel, CH; Lagos Biennale, NG; Blok Art Space, Istanbul, TR; MAXXI Museum, Rom, IT; Kunsthalle Basel, CH, teil.

Gefördert durch:
Niedersächsische Sparkassenstiftung und Sparkasse Göttingen
Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung

Der Beitrag von Dunja Herzog wird unterstützt von:
Aargauer Kuratorium
kulturelles.bl

Am 16.2. besuchten die Kinder des Paritätischen Kindergartens Grone mit Ute Wieder die Ausstellung von Amy Ball. Noch bevor sie ihre Jacken abgelegt hatten, formten sie erst mal das Plakatmotiv mit ihren Händen nach.

Dann galt es, in der Ausstellung einen persönlichen „Schatz“ zu finden und diesen mit einem Tablet zu fotografieren und zu filmen. Besonders anziehend war für alle die große Installation mit dem animierten Film in einer gemalten Häuserkulisse. Gleich stellten sich die Kinder in den Lichtkegel des Projektors und ließen ihre Schatten in der Straße tanzen.

Der Ausstellungsbesuch war aber nur der Auftakt zu einem Projekt, das noch über das Jahr weiterverfolgt wird und an dessen Ende eigene kleine Filme stehen sollen. Im Kindergarten haben sie begonnen, ihre Häuser und Kulissen zu malen und Figuren auszuschneiden. Erste kleine Filme haben sich die Kinder schon selbst ausgedacht und fertiggestellt. Einer davon steht unten zum Download bereit. Wir sind gespannt und freuen uns auf die weiteren.

Die Bilder auf dieser Seite stammen von Ute Wieder.

Am 28. September konnten wir in der gut gefüllten Aula der BBS1 den Abschluss unseres Projektes feiern und die Ergebnisse vorstellen. Wir hatten mit den Skizzen und Objekten eine kleine Ausstellung aufgebaut. Auch unsere Projekt-T-Shirts kamen noch einmal zum Einsatz.

Es war eine tolle Veranstaltung, die nicht nur den Gästen, sondern auch allen Beteiligten noch einmal vor Augen führte, was wir in diesem Projekt alles gemeinsam auf die Beine gestellt haben. Nach der Begrüßung durch den Schulleiter, Herrn Wiemann, überbrachte Kreisrat Marcel Riethig ein Grußwort des Landkreises Göttingen als Träger der Schule. Eine Anerkennung, über die wir uns alle sehr gefreut haben. Ein Team aus zwei Schülerinnen und einem Schüler moderierten die Veranstaltung. Im weiteren Verlauf waren Ausschnitte aus dem Radiobeitrag zu hören, der am 8. + 21.9. vom Stadtradio Göttingen gesendet worden war, alle konnten erstmals den fertig geschnittenen Film sehen und auch die Dokumentationsbroschüre war rechtzeitig fertig geworden und konnte präsentiert werden.

Die Broschüre steht hier als download zur Verfügung. Die Bilder darin und auf dieser Seite stammen von unserem treuen fotografischen Begleiter, Jan Vetter.

Im Rahmen der Veranstaltung wurde auch das Projekt „MEIN MÜLL – MEINE VERANTWORTUNG“ präsentiert, das parallel zu unserem stattgefunden hatte. Es war interessant zu sehen, was andere gemacht haben und wie sie es vorstellen.

Für die finanzielle Unterstützung unseres Projekts danken wir noch einmal der Klosterkammer Hannover und dem Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur!

Zum Abschluss der beiden Projekte „über TRAGBAR“ sowie „MEIN MÜLL – MEINE VERANTWORTUNG“ lädt die BBS1 – Arnoldi-Schule am Freitag, 28.September, von 9:30 bis 12:00 Uhr zur öffentlichen Finissage in den Friedländer Weg 33 – 43.

Schülerinnen und Schüler der Berufseinstiegsklasse und der Berufsfachschule Wirtschaft stellen ihre Ergebnisse zum kreativen und verantwortlichen Umgang mit der (Um)Welt in Form von Objekten, Ausschnitten aus einer Radiosendung und einem kleinen Film vor. Kreisrat Marcel Riethig hält ein Grußwort, moderiert wird die Veranstaltung von einem Schüler-Team. Im Anschluss werden Getränke und kleine Snacks angeboten.

Unser Projekt „Tragbar“, das wir vom 27. – 31.8.2018 an der BBS1 Arnoldi-Schule durchgeführt haben, war in mehrfacher Hinsicht eine komplexe Angelegenheit. Als Kunstvermittlungs- und Integrationsprojekt angelegt, wollten wir damit sowohl künstlerisches Denken und Handeln erfahrbar machen, kreative Prozesse anstoßen als auch einen Begegnungs- und Erfahrungsraum für interkulturellen Austausch, gegenseitiges Kennnenlernen und gemeinsames Arbeiten schaffen. Um letzteres zu gewährleisten, stellten wir aus den insgesamt 44 Schülerinnen und Schülern der BEK (Berufseinstiegsklasse für Jugendliche mit Fluchterfahrung) und der BFO (Berufsfachoberschule für deutschsprachige Jugendliche) drei jeweils paritätisch gemischte Teams zusammen: Das Kunst-Team, das Radio-Team und das Film-Team. Über mehrere Tage hinweg gemeinsam an einer Sache zu arbeiten und sich dabei über Sprachgrenzen hinweg besser kennenzulernen war für alle eine sehr positive Erfahrung.

Für das Kunst-Team ging es darum, tragbare Verpackungen für (imaginäre) Kunstwerke zu entwerfen und damit eine Bewegungsperformance im öffentlichen Raum durchzuführen. Einen ersten Schritt in Richtung Kunst machten wir durch den Besuch der aktuellen Ausstellung von Yutie Lee. Zur ersten Ideenfindung wurden dann Bildbeispiele aus der Artothek des Kunstvereins gezeigt, die sowohl gegenständliche als auch abstrakte Formen zeigten. Über Zeichnungen, Begriffssammlungen und die Gestaltung kleiner gefalteter Papierobjekte näherten sich die Schülerinnen und Schüler Fragen von Raum, Objekt, Formfindung und plastischem Gestalten. Das Material der Wahl waren Papier und Pappe, da wir bei der Herstellung der Objekte möglichst nur recycelbare Werkstoffe verwenden wollten. Hieraus in größerer Dimension stabile Objekte zu bauen, war durchaus eine Herausforderung. Auch spielte das Wetter an dem Tag unserer Bewegungsperformance, die uns durch die Göttinger Innenstadt führte, nicht ganz mit, es nieselte, was für Papierobjekte natürlich nicht optimal ist. So tragen sie am Ende alle ihre Gebrauchsspuren, eines, das zu Wasser gelassen wurde, ist ganz deformiert. Die Objekte haben eine Transformation durchgemacht. Waren sie zunächst gedacht als Verpackung für etwas, wurden sie im Gestaltungsprozess zum neuen Werk an sich und stellen nun Relikte oder auch Dokumente dieses Prozesses dar.

Dokumentarisch begleitet haben diesen Prozess das Radio-Team und das Film-Team. Sie haben eine ca. einstündige Radiosendung und einen etwa zehnminütigen Film erstellt. Die Radiosendung ist am Freitag, 21. September, von 11:00 – 12:30 Uhr im StadtRadio Göttingen zu hören. Der Film und eine Dokumentationsbroschüre werden bei der Abschlussveranstaltung am Freitag, 28. September, 9:30 – 12:00 Uhr, an der BBS1 im Friedländer Weg 33 vorgestellt.

Auch die Presse hat über unsere Projektwoche berichtet. Am 31.8. ist ein Artikel im Göttinger Tageblatt erschienen und am 3.9. einer in der online-Ausgabe der HNA.

Ein Projekt in Kooperation mit: KAZ, Kunstraum Tosterglope, Bildwerfer, StadtRadio Göttingen

Das Projekt wird gefördert vom Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur und der Klosterkammer Hannover.

Die vorwiegend neuen Arbeiten der Künstlerinnen Ayami Awazuhara und Dunja Herzog zeigen in der Doppelausstellung Drift and Shift verschiedene Perspektiven auf Themen des kulturellen Transfers von Rohstoffen, Waren und Bedeutungen.

Awazuharas künstlerische Praxis umfasst eine Vielzahl von Medien über Fotografie, Performance, Installation bis hin zu Video. Was ihre Werke verbindet, ist das Aufzeigen kultureller Transformationsprozesse, die sie im Alltäglichen und Allgegenwärtigen aufspürt. Für die Ausstellung im Kunstverein Göttingen widmet sich die Künstlerin zum einen dem Element Wasser und dessen philosophischer Bedeutung. Davon ausgehend führen ihre Recherchen zum Fontana di Trevi in Rom sowie zu Springbrunnen in anonymen Einkaufszentren der ganzen Welt, die sie in einer fotografischen Arbeit zusammenführt. Zum anderen beschäftigt sich Awazuhara mit dem Phänomen, dass die Namen vieler Geschäfte, Restaurants und Cafés in Berlin auf weit entfernte Städte, Regionen und Länder rekurrieren, wie beispielsweise das Lebensmittelgeschäft Bagdad oder der Kosmetiksalon USA Nails. Aus einer beobachtenden Perspektive entwickelt die Künstlerin in ihrer Videoarbeit eine Topografie der Stadt Berlin, in der sie die Sehnsucht nach Ferne und die verblassende Erinnerung an eine Heimat mit den alltäglichen Szenen und Interaktionen, die sich im Kontext von Handel, Waren und Dienstleistungen abspielen, verbindet.

Die künstlerischen Arbeiten von Herzog sind geprägt von den Wirkungen der Kolonialgeschichte auf persönliche Erzählungen, Körper und Materialien, die sie zu achtsamen und poetischen Räumen verdichtet. Im Kunstverein Göttingen präsentiert die Künstlerin eine Serie von Messingobjekten, die sie in Zusammenarbeit mit der Werkstatt von Phil Omodamwen, einem Bronzegießer der siebten Generation aus Benin-Stadt in Nigeria, produziert. Einige der Arbeiten sind Teil ihrer Schmuckkollektion „red gold import export“ – einem Langzeitprojekt von Herzog –, für die sie das Material aus E-Waste gewinnt. Gemeinsam mit den Künstler*innen Jeremiah Day und Hilla Steinert reflektiert sie außerdem die geschichtlichen Hintergründe sowie die leitenden Eigenschaften von Kupfer, welches als Material die Grundlage ihrer Werke bildet, und übersetzt sie in eine körperbasierte Performance. Die Performance findet am 7. Oktober um 12 Uhr im Alten Rathaus statt.

Ayami Awazuhara (*1985, Nagano, JP) lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin und schloss ihr Studium als Meisterschülerin bei Manfred Pernice ab. Einzel- und Doppelausstellungen umfassen u.a. Despacio, San José, CRC; Kunsthalle Lissabon, PT; Jupiter Woods, London, GB. Awazuhara war zudem an Gruppenausstellungen bei Parallel Oaxaca, MX; Haus am Lützowplatz, Berlin, DE u.v.m. beteiligt.

Dunja Herzog (*1975, Basel, CH) lebt und arbeitet in Berlin und Basel. Ihre Werke wurden in Einzelausstellungen bei 1646, Den Haag, NL; New Bretagne/Belle Air, Essen, DE; Piano Mobile, Genf, CH; Istituto Svizzero, Mailand, IT, gezeigt. Sie nahm u.a. an Gruppenausstellungen bei Swiss Art Award, Basel, CH; Lagos Biennale, NG; Blok Art Space, Istanbul, TR; MAXXI Museum, Rom, IT; Kunsthalle Basel, CH, teil.

Gefördert durch:
Niedersächsische Sparkassenstiftung und Sparkasse Göttingen
Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung

Der Beitrag von Dunja Herzog wird unterstützt von:
Aargauer Kuratorium
kulturelles.bl

In ihrer multidisziplinären Praxis verbindet die Künstlerin Yutie Lee Erzählungen und Bezüge aus Populärkultur, Literatur und Geschichte sowie aus ihrer eigenen Biografie. Für ihre erste institutionelle Einzelausstellung im Kunstverein Göttingen beschäftigt sich Lee mit dem Erfinden und Verschlüsseln von Sprache und Emotionen. Unter dem Titel Ekstase 123 werden gerade jene Bewusstseinszustände und Bereiche unserer Kommunikation angesprochen, die sich eigentlich durch ihre Unübersetzbarkeit auszeichnen.

Für die Ausstellung kombiniert Lee fiktionale und historische Stränge von drei ikonischen Frauenfiguren, die sich mit der Thematik der Codierung auf sehr unterschiedliche Art und Weise auseinandergesetzt haben: Die Schriftstellerin Ingeborg Bachmann (1926-1973) beschäftigte sich in ihren Traumnotaten von 1962 bis 1966 mit der sprachlichen Unteilbarkeit von Schmerz; die vor allem als Schauspielerin bekannte Hedy Lamarr (1914-2000) erfand während des Zweiten Weltkriegs eine verschlüsselte Funkfernsteuerung, die in heutigen Bluetooth-Geräten zum Einsatz kommt, und die Äbtissin, Universalgelehrte, Komponistin und Mystikerin Hildegard von Bingen (1098-1179) entwickelte eine eigene Schrift und Sprache.

Die Erzählungen von und über diese drei Charaktere – Bachmann, Lamarr, von Bingen – verbindet außerdem das Phänomen eines rauschhaften Zustandes – von den Visionen Hildegard von Bingens, über den ersten weiblichen Orgasmus in einem Kinofilm 1933 gespielt von Lamarr bis hin zu dem ekstatischen Verliebtsein von Bachmanns Elisabeth in der Geschichte „Drei Wege zum See“. Yutie Lee greift in ihren Werken diese historisch voneinander entfernten Geschichten auf, um sie in eine gemeinsame Bild- und Formensprache zu überführen.

Das Kernstück der Ausstellung ist eine Publikation, die auf der sogenannten litterae ignotae basiert. Dabei handelt es sich um 23 von Hildegard von Bingen erfundene Geheimbuchstaben, aus der Yutie Lee eine digitale Schrift entwickelt hat. Ergänzt durch zehn stilistisch modifizierte chinesische Symbole als Zahlen dient ihr die Typographie HvB als Grundlage für die Künstlerinnenpublikation, die von Edition Taube (https://www.editiontaube.de/) herausgegeben wird.

Yutie Lee (*1988, Taipeh, Taiwan) lebt und arbeitet in München und Taipeh. 2015 schloss sie ihr Studium an der Akademie der Bildenden Künste München als Meisterschülerin bei Prof. Olaf Nicolai ab. Sie zeigte ihre Arbeiten u.a. in Gruppenausstellungen bei Dreiviertel, Bern, CH; Kunstverein München, DE; Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis, Bregenz, AT; Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien, Graz, AT; Galerie der Künstler, München, DE und ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe, DE.

Veranstaltungen

Sa, 11. August 2018, 15:30 – 17:30 Uhr
Workshop: „top secret – streng geheim“
Workshop für für Kinder und Jugendliche
Auf der Forschungsstation für geheime Kommunikation mit der Top-Agentin Lilly Stehling könnt ihr einiges entdecken: kryptische Zeichen, geheime Schriften, versteckte Botschaften, Zaubertinten, Buchstabencodes, rätselhafte Wörter und unsichtbare Mitteilungen. Einfach mal ausprobieren, entwickeln und erforschen!
Anmeldung bis zum 9. August 2018 unter: kunstvermittlung@kunstvereingoetting

So, 19. August 2018, 15:00 Uhr
Sonntagsführung
Führung mit Lara Siegers durch die Einzelausstellungen „Incidents“ von Marina Pinsky im Alten Rathaus und „Ekstase123“ von Yutie Lee im Künstlerhaus.
Treffpunkt: Altes Rathaus

So, 09. September 2018, 15:00 Uhr
Sonntagsführung
Führung durch die Ausstellungen Ekstase 123 von Yutie Lee und Drift and Shift von AyamI Awazuhara und Dunja Herzog mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.
Treffpunkt: Altes Rathaus

Ausstellungsansichten

Kunst muss transportiert werden. Dazu braucht es Verpackungen. Diese zu bauen, ist auch eine Kunst. Oder wird gar die Verpackung zur Kunst und der Transport zu einer künstlerischen Performance?

In einer Projektwoche Ende August 2018 werden sich ca. 36 Schülerinnen und Schüler einer regulären und einer Integrationsklasse an der BBS1 Arnoldi-Schule in verschiedenen Teams mit der Kunstaktion selbst sowie deren medialer Begleitung und Verarbeitung beschäftigen. Neben der kreativen Betätigung und der kulturellen Bildung stehen das gemeinsame Arbeiten und Erleben, gegenseitiges Kennenlernen und interkultureller Austausch im Vordergrund.

Das Projekt findet statt in Kooperation mit dem Kunstraum Tosterglope, dessen Mitglieder eine spezifische „künstlerische Kunstvermittlung“ betreiben. Mit ungewöhnlichen Ansätzen initiieren sie kreative und kognitive Prozesse, bei denen die Teilnehmenden sich nicht nur in Beziehung zur Kunst setzen, sondern durch kreatives Handeln auch etwas über sich selbst und die anderen Mitwirkenden erfahren. Im konkreten Fall werden tragbare Verpackungen für imaginäre künstlerische Objekte gebaut und der „Transport“ in einer Bewegungsperformance im öffentlichen Raum durchgeführt. Bei der praktischen Verarbeitung verschiedener Materialien durch Nähen, Schneiden, Kleben, Binden, Heften, etc. können über Sprachbarrieren hinweg gemeinsame Ausdrucksformen entwickelt werden. Das Sich- und Etwas- Bewegen als Metapher der Teilhabe und Entwicklung reflektiert die eigene Position im privaten wie im öffentlichen Leben.

Weitere Kooperationspartner sind das Kommunikations- und Aktionszentrum KAZ, das seine soziokulturellen Erfahrungen einbringt, sowie das Stadtradio Göttingen, das in einem vom Medienpädagogen Sascha Prinz geleiteten Workshop mit einem Teil der SchülerInnen einen Radiobeitrag erarbeiten wird. Thomas Kirchberg, Filmer und Medienpädagoge, wird mit einer Gruppe einen Film erarbeiten. Darüber hinaus soll eine Dokumentationsbroschüre erstellt werden.

Die Eregebnisse des Projekts werden am 28. September 2018 in einer öffentlichen Veranstaltung in der BBS1 am Friedländer Weg 33 präsentiert.

Das Projekt wird gefördert vom Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur und der Klosterkammer Hannover.

Am 16.2. besuchten die Kinder des Paritätischen Kindergartens Grone mit Ute Wieder die Ausstellung von Amy Ball. Noch bevor sie ihre Jacken abgelegt hatten, formten sie erst mal das Plakatmotiv mit ihren Händen nach.

Dann galt es, in der Ausstellung einen persönlichen „Schatz“ zu finden und diesen mit einem Tablet zu fotografieren und zu filmen. Besonders anziehend war für alle die große Installation mit dem animierten Film in einer gemalten Häuserkulisse. Gleich stellten sich die Kinder in den Lichtkegel des Projektors und ließen ihre Schatten in der Straße tanzen.

Der Ausstellungsbesuch war aber nur der Auftakt zu einem Projekt, das noch über das Jahr weiterverfolgt wird und an dessen Ende eigene kleine Filme stehen sollen. Im Kindergarten haben sie begonnen, ihre Häuser und Kulissen zu malen und Figuren auszuschneiden. Erste kleine Filme haben sich die Kinder schon selbst ausgedacht und fertiggestellt. Einer davon steht unten zum Download bereit. Wir sind gespannt und freuen uns auf die weiteren.

Die Bilder auf dieser Seite stammen von Ute Wieder.

Vom 31.7. – 2.8. fand am Nachbarschaftszentrum Grone der Ferienworkshop für Grundschulkinder statt.

Beim Ausstellungsbesuch stellten die Kinder fest, dass die Fotos der Künstlerin Ansichten zeigen, die es so in der Wirklichkeit gar nicht gibt. Da treffen auf einem Foto die verschiedensten Motive zusammen und wir haben uns gefragt, wie das wohl gemacht sein kann. Zunächst wurden die Kinder gleich in der Ausstellung mit Fotoapparaten ausgestattet, um eigene Blickpunkte und Ansichten zu finden. Sie fotografierten mit Begeisterung die Werke der Ausstellung, natürlich sich gegenseitig und, angeregt durch eine Serie der Künstlerin, in der diese mit verschiedenen Fensterblicken arbeitet, aus den Fenstern des Alten Rathauses nach draußen oder Spiegelungen in der Verglasung des Fahrstuhls.

Im anschließenden Workshop im Nachbarschaftzentrum Grone, dessen Umgebung auch noch einmal Gegenstand einer Fotosafari war, konnten die Kinder mit den eigenen, mittlerweile abgezogenen Fotos und weiteren Materialien Collagen erstellen. Sie hatten da ihre ganz eigenen Vorstellungen von der Anordnung ihrer Fotos. Das Arbeitsprinzip der Künstlerin, das Layern oder die Überlagerung, wurde aber zum Beispiel in dem anrührenden Bild mit dem rosa Schleier in überraschender Weise aufgegriffen.

Das Göttinger Tageblatt hat am 2. August über den Workshop berichtet.

Der Laden „Foto-Team“ in der Langen Geismarstraße hatte sich aufgrund der Ankündigung des Workshops im Göttinger Tageblatt spontan im Nachbarschaftszentrum gemeldet und angeboten, die Aktion durch kostenlose Abzüge eines Lieblingsbildes für jedes Kind zu unterstützen. Herzlichen Dank dafür!

Die Fotos auf dieser Seite stammen von Pola Pretzsch.

In ihrer multidisziplinären Praxis verbindet die Künstlerin Yutie Lee Erzählungen und Bezüge aus Populärkultur, Literatur und Geschichte sowie aus ihrer eigenen Biografie. Für ihre erste institutionelle Einzelausstellung im Kunstverein Göttingen beschäftigt sich Lee mit dem Erfinden und Verschlüsseln von Sprache und Emotionen. Unter dem Titel Ekstase 123 werden gerade jene Bewusstseinszustände und Bereiche unserer Kommunikation angesprochen, die sich eigentlich durch ihre Unübersetzbarkeit auszeichnen.

Für die Ausstellung kombiniert Lee fiktionale und historische Stränge von drei ikonischen Frauenfiguren, die sich mit der Thematik der Codierung auf sehr unterschiedliche Art und Weise auseinandergesetzt haben: Die Schriftstellerin Ingeborg Bachmann (1926-1973) beschäftigte sich in ihren Traumnotaten von 1962 bis 1966 mit der sprachlichen Unteilbarkeit von Schmerz; die vor allem als Schauspielerin bekannte Hedy Lamarr (1914-2000) erfand während des Zweiten Weltkriegs eine verschlüsselte Funkfernsteuerung, die in heutigen Bluetooth-Geräten zum Einsatz kommt, und die Äbtissin, Universalgelehrte, Komponistin und Mystikerin Hildegard von Bingen (1098-1179) entwickelte eine eigene Schrift und Sprache.

Die Erzählungen von und über diese drei Charaktere – Bachmann, Lamarr, von Bingen – verbindet außerdem das Phänomen eines rauschhaften Zustandes – von den Visionen Hildegard von Bingens, über den ersten weiblichen Orgasmus in einem Kinofilm 1933 gespielt von Lamarr bis hin zu dem ekstatischen Verliebtsein von Bachmanns Elisabeth in der Geschichte „Drei Wege zum See“. Yutie Lee greift in ihren Werken diese historisch voneinander entfernten Geschichten auf, um sie in eine gemeinsame Bild- und Formensprache zu überführen.

Das Kernstück der Ausstellung ist eine Publikation, die auf der sogenannten litterae ignotae basiert. Dabei handelt es sich um 23 von Hildegard von Bingen erfundene Geheimbuchstaben, aus der Yutie Lee eine digitale Schrift entwickelt hat. Ergänzt durch zehn stilistisch modifizierte chinesische Symbole als Zahlen dient ihr die Typographie HvB als Grundlage für die Künstlerinnenpublikation, die von Edition Taube (https://www.editiontaube.de/) herausgegeben wird.

Yutie Lee (*1988, Taipeh, Taiwan) lebt und arbeitet in München und Taipeh. 2015 schloss sie ihr Studium an der Akademie der Bildenden Künste München als Meisterschülerin bei Prof. Olaf Nicolai ab. Sie zeigte ihre Arbeiten u.a. in Gruppenausstellungen bei Dreiviertel, Bern, CH; Kunstverein München, DE; Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis, Bregenz, AT; Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien, Graz, AT; Galerie der Künstler, München, DE und ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe, DE.

Veranstaltungen

Sa, 11. August 2018, 15:30 – 17:30 Uhr
Workshop: „top secret – streng geheim“
Workshop für für Kinder und Jugendliche
Auf der Forschungsstation für geheime Kommunikation mit der Top-Agentin Lilly Stehling könnt ihr einiges entdecken: kryptische Zeichen, geheime Schriften, versteckte Botschaften, Zaubertinten, Buchstabencodes, rätselhafte Wörter und unsichtbare Mitteilungen. Einfach mal ausprobieren, entwickeln und erforschen!
Anmeldung bis zum 9. August 2018 unter: kunstvermittlung@kunstvereingoetting

So, 19. August 2018, 15:00 Uhr
Sonntagsführung
Führung mit Lara Siegers durch die Einzelausstellungen „Incidents“ von Marina Pinsky im Alten Rathaus und „Ekstase123“ von Yutie Lee im Künstlerhaus.
Treffpunkt: Altes Rathaus

So, 09. September 2018, 15:00 Uhr
Sonntagsführung
Führung durch die Ausstellungen Ekstase 123 von Yutie Lee und Drift and Shift von AyamI Awazuhara und Dunja Herzog mit der Kunsthistorikerin Lara Siegers.
Treffpunkt: Altes Rathaus

Ausstellungsansichten

Kunst muss transportiert werden. Dazu braucht es Verpackungen. Diese zu bauen, ist auch eine Kunst. Oder wird gar die Verpackung zur Kunst und der Transport zu einer künstlerischen Performance?

In einer Projektwoche Ende August 2018 werden sich ca. 36 Schülerinnen und Schüler einer regulären und einer Integrationsklasse an der BBS1 Arnoldi-Schule in verschiedenen Teams mit der Kunstaktion selbst sowie deren medialer Begleitung und Verarbeitung beschäftigen. Neben der kreativen Betätigung und der kulturellen Bildung stehen das gemeinsame Arbeiten und Erleben, gegenseitiges Kennenlernen und interkultureller Austausch im Vordergrund.

Das Projekt findet statt in Kooperation mit dem Kunstraum Tosterglope, dessen Mitglieder eine spezifische „künstlerische Kunstvermittlung“ betreiben. Mit ungewöhnlichen Ansätzen initiieren sie kreative und kognitive Prozesse, bei denen die Teilnehmenden sich nicht nur in Beziehung zur Kunst setzen, sondern durch kreatives Handeln auch etwas über sich selbst und die anderen Mitwirkenden erfahren. Im konkreten Fall werden tragbare Verpackungen für imaginäre künstlerische Objekte gebaut und der „Transport“ in einer Bewegungsperformance im öffentlichen Raum durchgeführt. Bei der praktischen Verarbeitung verschiedener Materialien durch Nähen, Schneiden, Kleben, Binden, Heften, etc. können über Sprachbarrieren hinweg gemeinsame Ausdrucksformen entwickelt werden. Das Sich- und Etwas- Bewegen als Metapher der Teilhabe und Entwicklung reflektiert die eigene Position im privaten wie im öffentlichen Leben.

Weitere Kooperationspartner sind das Kommunikations- und Aktionszentrum KAZ, das seine soziokulturellen Erfahrungen einbringt, sowie das Stadtradio Göttingen, das in einem vom Medienpädagogen Sascha Prinz geleiteten Workshop mit einem Teil der SchülerInnen einen Radiobeitrag erarbeiten wird. Thomas Kirchberg, Filmer und Medienpädagoge, wird mit einer Gruppe einen Film erarbeiten. Darüber hinaus soll eine Dokumentationsbroschüre erstellt werden.

Die Eregebnisse des Projekts werden am 28. September 2018 in einer öffentlichen Veranstaltung in der BBS1 am Friedländer Weg 33 präsentiert.

Das Projekt wird gefördert vom Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur und der Klosterkammer Hannover.

Voraussetzung und Ausgangspunkt für Marina Pinskys künstlerische Praxis ist die Fotografie und deren Abbildungsverfahren – auch oder gerade wenn sich ihre Werke aus dem Rahmen heraus- in den Raum hineinbewegen und dabei skulpturale Eigenschaften entwickeln. Incidents, ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Deutschland, präsentiert im Kunstverein Göttingen eine Auswahl von Werken der vergangenen fünf Jahre. Viele von ihnen sind als Reaktion auf Aufenthalte in Städten wie Brüssel, Basel und Riga entstanden. Aus ihrem ursprünglichen Kontext enthoben, werden die Arbeiten im Rahmen der Ausstellung zueinander in Beziehung gesetzt und provozieren in dieser ungewohnten Konstellation neue Blickwinkel. Im Mittelpunkt der im alten Rathaus stattfindenden Ausstellung steht die künstlerische Auseinandersetzung Pinskys mit Zeitlichkeit: so verbindet die Künstlerin historisch voneinander Entferntes, untersucht Verfahren der Zeitmessung oder macht die Dauer der Betrachtung eines Bildes an sich zum Gegenstand. In vielen der Werke verarbeitet die Künstlerin gefundenes und gesammeltes Bildmaterial, wie zum Beispiel technisch generierte Karten, aus Werbeanzeigen extrahierte Formen, medizinische Aufnahmen sowie historische Fotografien. Einem intuitiven Arbeitsprozess folgend, bei dem sie mit und durch die Kamera denkt, abstrahiert und schichtet Pinsky die gefundenen Vorlagen und kombiniert sie mit Fotografien der Fundorte, Stadtansichten oder Aufnahmen aus ihrem Atelier. Es entstehen Bilder, in denen die Künstlerin das Augenblickliche eines Ereignisses (engl.: „incident“) bzw. einer Fotografie zeitlich und räumlich dehnt und streckt. Die Zeit, die notwendiger Weise aufgebracht wird, um Pinskys Werke wahr- und aufzunehmen, ist somit bereits in die künstlerische Umsetzung eingeschrieben. Die Komplexität der Arbeiten macht es unmöglich, diese Bilder rasch zu „konsumieren“ und verweist auf die materielle Realität des Bildes in einer digital geprägten Gegenwart.

Kuratiert von Tomke Braun

Marina Pinsky (*1986 in Moskau) lebt und arbeitet in Berlin. 2008 schloss sie ihren Bachelor of Fine Arts an der School of the Museum of Fine Arts, Boston ab; anschließend absolvierte sie 2012 einen Master of Fine Arts an der University of California, Los Angeles. Ihre Werke wurden kürzlich in Einzelausstellungen bei De Vleeshal, Middelburg, NL; 303 Gallery, New York, USA; Sydney, Sydney, AU; Kunsthalle Basel, CH; Parallel, Oaxaca, MEX; White Columns, New York, USA; LACMA Special Projects, Los Angeles, USA; und C L E A R I N G Brussels, BE, gezeigt. Sie war bei Gruppenausstellungen wie der Riga International Biennial of Contemporary Art, LV; WIELS, Brüssel, BE; MoMA, New York, USA; Hammer Museum, Los Angeles, USA; La Biennale de Lyon, FR; und der National Gallery of Kosovo beteiligt.

Dank an: CLEARING New York, Brussels; 303 Gallery New York; Katerina Gregos (RIBOCA – Riga International Biennial of Contemporary Art)

Fotos zur Ausstellung:

Ein Projekt in Kooperation mit Frauen-Zimmer e.V., einer Einrichtung für ambulante pädagogisch-therapeutische Hilfen für Frauen in Göttingen

Wir wollen die Ausstellung von Marina Pinsky besuchen und daran anknüpfend selbst kreativ werden.

Aktionen / Termine

Freitag , 29.06.18, 18:30 Uhr: Ausstellungseröffnung im Alten Rathaus, der Besuch ist freiwillig

Mittwoch, 25.07.18, 15:30 – 17 Uhr: Ausstellungsbesuch und Projekteinführung
Treffpunkt: Altes Rathaus

Mittwoch, 01.08.18, 15 – 16:30 Uhr: Workshop „Perspektiven“, Teil 1
Wir arbeiten assoziativ sowohl mit selbst geschossenen Fotos als auch mit Collagematerial aus Zeitschriften, Katalogen und Werbeprospekten auf großformatigen Papieren und erstellen ein Kaleidoskop unterschiedlicher Perspektiven, Orte und Zeiten. Dabei kommen diverse künstlerische Techniken zum Einsatz: fotografieren, sichten, suchen, finden, sammeln, kombinieren, collagieren, schichten, überlagern, ordnen, komponieren.
Ort: Künstlerhaus Göttingen, Gewölbekeller, Gotmarstr. 1

Mittwoch, 15.08.18, 15 – 16:30 Uhr, Workshop „Perspektiven“, Teil 2
Ort: Künstlerhaus Göttingen, Gewölbekeller, Gotmarstr. 1

Die Projektergebnisse sollen fotografisch dokumentiert werden und auf der Webseite des Kunstvereins und in einer Abschlussdokumentation und Präsentation erscheinen.

Teilnehmerinnen: maximal 8 Personen
Anmeldung bis: 20.7.2018

Projektleitung: Carola Gottschalk
Workshopleitung: Lilly Stehling, freischaffende Künstlerin / Mitglied im Team Kunstvermittlung

Ein Ferienangebot für Grundschulkinder mit Pola Pretzsch

Gemeinsam wollen wir mit dem Fotoapparat auf Entdeckungsreise gehen und die Umgebung um das Nachbarschaftszentrum Grone erkunden. Von all dem was uns gefällt machen wir ein Foto. Doch damit nicht genug, mit viel Spaß und Kreativität werden wir unsere Fotos mit allerlei Materialien ausschmücken. Anregungen und Ideen werden am ersten Tag in einem Besuch der Ausstellung von Marina Pinsky gesammelt.

31 Juli. – 2. August 2018, je 11:00 – 14:00 Uhr
im Nachbarschaftszentrum Grone
Deisterstraße 10, 37081 Göttingen

Anmeldung: direkt im Nachbarschaftszentrum
oder: 0551 / 38 48 120

Das Angebot ist kostenfrei!

Ein Projekt in Kooperation mit dem Nachbarschaftszentrum Grone

Workshop für Kinder und Jugendliche zur Ausstellung von Yutie Lee

Auf der Forschungsstation für geheime Kommunikation mit der Top-Agentin Lilly Stehling könnt ihr einiges entdecken: kryptische Zeichen, geheime Schriften, versteckte Botschaften, Zaubertinten, Buchstabencodes, rätselhafte Wörter und unsichtbare Mitteilungen. Einfach mal ausprobieren, entwickeln und erforschen!

11.August 2018, 15:30 – 17:30 Uhr

im Künstlerhaus, Gotmarstraße 1

Anmeldung bis zum 9. August 2018 unter: kunstvermittlung@kunstvereingoettingen.de

Am 16.2. besuchten die Kinder des Paritätischen Kindergartens Grone mit Ute Wieder die Ausstellung von Amy Ball. Noch bevor sie ihre Jacken abgelegt hatten, formten sie erst mal das Plakatmotiv mit ihren Händen nach.

Dann galt es, in der Ausstellung einen persönlichen „Schatz“ zu finden und diesen mit einem Tablet zu fotografieren und zu filmen. Besonders anziehend war für alle die große Installation mit dem animierten Film in einer gemalten Häuserkulisse. Gleich stellten sich die Kinder in den Lichtkegel des Projektors und ließen ihre Schatten in der Straße tanzen.

Der Ausstellungsbesuch war aber nur der Auftakt zu einem Projekt, das noch über das Jahr weiterverfolgt wird und an dessen Ende eigene kleine Filme stehen sollen. Im Kindergarten haben sie begonnen, ihre Häuser und Kulissen zu malen und Figuren auszuschneiden. Erste kleine Filme haben sich die Kinder schon selbst ausgedacht und fertiggestellt. Einer davon steht unten zum Download bereit. Wir sind gespannt und freuen uns auf die weiteren.

Die Bilder auf dieser Seite stammen von Ute Wieder.

Kunst muss transportiert werden. Dazu braucht es Verpackungen. Diese zu bauen, ist auch eine Kunst. Oder wird gar die Verpackung zur Kunst und der Transport zu einer künstlerischen Performance?

In einer Projektwoche Ende August 2018 werden sich ca. 36 Schülerinnen und Schüler einer regulären und einer Integrationsklasse an der BBS1 Arnoldi-Schule in verschiedenen Teams mit der Kunstaktion selbst sowie deren medialer Begleitung und Verarbeitung beschäftigen. Neben der kreativen Betätigung und der kulturellen Bildung stehen das gemeinsame Arbeiten und Erleben, gegenseitiges Kennenlernen und interkultureller Austausch im Vordergrund.

Das Projekt findet statt in Kooperation mit dem Kunstraum Tosterglope, dessen Mitglieder eine spezifische „künstlerische Kunstvermittlung“ betreiben. Mit ungewöhnlichen Ansätzen initiieren sie kreative und kognitive Prozesse, bei denen die Teilnehmenden sich nicht nur in Beziehung zur Kunst setzen, sondern durch kreatives Handeln auch etwas über sich selbst und die anderen Mitwirkenden erfahren. Im konkreten Fall werden tragbare Verpackungen für imaginäre künstlerische Objekte gebaut und der „Transport“ in einer Bewegungsperformance im öffentlichen Raum durchgeführt. Bei der praktischen Verarbeitung verschiedener Materialien durch Nähen, Schneiden, Kleben, Binden, Heften, etc. können über Sprachbarrieren hinweg gemeinsame Ausdrucksformen entwickelt werden. Das Sich- und Etwas- Bewegen als Metapher der Teilhabe und Entwicklung reflektiert die eigene Position im privaten wie im öffentlichen Leben.

Weitere Kooperationspartner sind das Kommunikations- und Aktionszentrum KAZ, das seine soziokulturellen Erfahrungen einbringt, sowie das Stadtradio Göttingen, das in einem vom Medienpädagogen Sascha Prinz geleiteten Workshop mit einem Teil der SchülerInnen einen Radiobeitrag erarbeiten wird. Thomas Kirchberg, Filmer und Medienpädagoge, wird mit einer Gruppe einen Film erarbeiten. Darüber hinaus soll eine Dokumentationsbroschüre erstellt werden.

Die Eregebnisse des Projekts werden am 28. September 2018 in einer öffentlichen Veranstaltung in der BBS1 am Friedländer Weg 33 präsentiert.

Das Projekt wird gefördert vom Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur und der Klosterkammer Hannover.

Voraussetzung und Ausgangspunkt für Marina Pinskys künstlerische Praxis ist die Fotografie und deren Abbildungsverfahren – auch oder gerade wenn sich ihre Werke aus dem Rahmen heraus- in den Raum hineinbewegen und dabei skulpturale Eigenschaften entwickeln. Incidents, ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Deutschland, präsentiert im Kunstverein Göttingen eine Auswahl von Werken der vergangenen fünf Jahre. Viele von ihnen sind als Reaktion auf Aufenthalte in Städten wie Brüssel, Basel und Riga entstanden. Aus ihrem ursprünglichen Kontext enthoben, werden die Arbeiten im Rahmen der Ausstellung zueinander in Beziehung gesetzt und provozieren in dieser ungewohnten Konstellation neue Blickwinkel. Im Mittelpunkt der im alten Rathaus stattfindenden Ausstellung steht die künstlerische Auseinandersetzung Pinskys mit Zeitlichkeit: so verbindet die Künstlerin historisch voneinander Entferntes, untersucht Verfahren der Zeitmessung oder macht die Dauer der Betrachtung eines Bildes an sich zum Gegenstand. In vielen der Werke verarbeitet die Künstlerin gefundenes und gesammeltes Bildmaterial, wie zum Beispiel technisch generierte Karten, aus Werbeanzeigen extrahierte Formen, medizinische Aufnahmen sowie historische Fotografien. Einem intuitiven Arbeitsprozess folgend, bei dem sie mit und durch die Kamera denkt, abstrahiert und schichtet Pinsky die gefundenen Vorlagen und kombiniert sie mit Fotografien der Fundorte, Stadtansichten oder Aufnahmen aus ihrem Atelier. Es entstehen Bilder, in denen die Künstlerin das Augenblickliche eines Ereignisses (engl.: „incident“) bzw. einer Fotografie zeitlich und räumlich dehnt und streckt. Die Zeit, die notwendiger Weise aufgebracht wird, um Pinskys Werke wahr- und aufzunehmen, ist somit bereits in die künstlerische Umsetzung eingeschrieben. Die Komplexität der Arbeiten macht es unmöglich, diese Bilder rasch zu „konsumieren“ und verweist auf die materielle Realität des Bildes in einer digital geprägten Gegenwart.

Kuratiert von Tomke Braun

Marina Pinsky (*1986 in Moskau) lebt und arbeitet in Berlin. 2008 schloss sie ihren Bachelor of Fine Arts an der School of the Museum of Fine Arts, Boston ab; anschließend absolvierte sie 2012 einen Master of Fine Arts an der University of California, Los Angeles. Ihre Werke wurden kürzlich in Einzelausstellungen bei De Vleeshal, Middelburg, NL; 303 Gallery, New York, USA; Sydney, Sydney, AU; Kunsthalle Basel, CH; Parallel, Oaxaca, MEX; White Columns, New York, USA; LACMA Special Projects, Los Angeles, USA; und C L E A R I N G Brussels, BE, gezeigt. Sie war bei Gruppenausstellungen wie der Riga International Biennial of Contemporary Art, LV; WIELS, Brüssel, BE; MoMA, New York, USA; Hammer Museum, Los Angeles, USA; La Biennale de Lyon, FR; und der National Gallery of Kosovo beteiligt.

Dank an: CLEARING New York, Brussels; 303 Gallery New York; Katerina Gregos (RIBOCA – Riga International Biennial of Contemporary Art)

Fotos zur Ausstellung:

Ein Projekt in Kooperation mit Frauen-Zimmer e.V., einer Einrichtung für ambulante pädagogisch-therapeutische Hilfen für Frauen in Göttingen

Wir wollen die Ausstellung von Marina Pinsky besuchen und daran anknüpfend selbst kreativ werden.

Aktionen / Termine

Freitag , 29.06.18, 18:30 Uhr: Ausstellungseröffnung im Alten Rathaus, der Besuch ist freiwillig

Mittwoch, 25.07.18, 15:30 – 17 Uhr: Ausstellungsbesuch und Projekteinführung
Treffpunkt: Altes Rathaus

Mittwoch, 01.08.18, 15 – 16:30 Uhr: Workshop „Perspektiven“, Teil 1
Wir arbeiten assoziativ sowohl mit selbst geschossenen Fotos als auch mit Collagematerial aus Zeitschriften, Katalogen und Werbeprospekten auf großformatigen Papieren und erstellen ein Kaleidoskop unterschiedlicher Perspektiven, Orte und Zeiten. Dabei kommen diverse künstlerische Techniken zum Einsatz: fotografieren, sichten, suchen, finden, sammeln, kombinieren, collagieren, schichten, überlagern, ordnen, komponieren.
Ort: Künstlerhaus Göttingen, Gewölbekeller, Gotmarstr. 1

Mittwoch, 15.08.18, 15 – 16:30 Uhr, Workshop „Perspektiven“, Teil 2
Ort: Künstlerhaus Göttingen, Gewölbekeller, Gotmarstr. 1

Die Projektergebnisse sollen fotografisch dokumentiert werden und auf der Webseite des Kunstvereins und in einer Abschlussdokumentation und Präsentation erscheinen.

Teilnehmerinnen: maximal 8 Personen
Anmeldung bis: 20.7.2018

Projektleitung: Carola Gottschalk
Workshopleitung: Lilly Stehling, freischaffende Künstlerin / Mitglied im Team Kunstvermittlung